Aunque se le ha querido etiquietar con el estricto (y estrecho) corsé deser un grupo punk, en realidad The Clash fue mucho más que eso. A diferencia de otras bandas contemporanéas suyas, como los Sex Pistols, The Buzzcocks o The Damned, el cuarteto encabezado por Joe Strummer y Mick Jones desarrolló un estilo musical más amplio, al enriquecerlo con la abierta influencia de otros géneros, como el reggae y el ska, primero, y el jazz, el blues, el swing, el rockabilly y otros, más tarde. Pero no sólo fue esa variedad de sonidos lo que caracterizó a esos nativos de Londres. Desde un principio, las letras de sus canciones y su actitud misma mostraron una declarada posición política cargada hacia la izquierda, en un momento histórico en el cual la Gran Bretaña padecía una de sus peores crisis económicas y sociales. En medio de una grave situación traducia en desempleo, miseria, inmigración inseguridad y violencia, el movimiento punk brotó de un modo casi natural y su expresión musical, el rock punk, logró de inmediato una gran aceptación entre cientos de miles de jóvenes britanicos. Fue en ese duro contexto que emergío The Clash, un cuarteto con ánimos de pelear y golpear por medio de lo único que sabían hacer: tocar múscia.

Con seis albums grabados entre 1977 y 1985, la agrupación se convirtió en todo un simbolo de los punks politizados, pero también de buena parte de la juventud, de todos aquellos que tenian ideas progresistas. Críticos feroces del sistema, los integrantes de The Clash no pudieron ser engullidos del todo por la industria discografíca y los medios de comunicacion y lograron mantener su discurso a lo largo de ocho intensos años. Por desgracia, una inevitable lucha de egos hizo que al final se diera la división y que la banda terminara por disolverse. A pesar de que hubo otros proyectos grupales, nunca fue lo mismo. La magia de The Clash había sido única e irrepetible.

Jimmy Page: “Primero quise usar un sólo simboo en el disco, pero dado que era el cuarto álbum y que nosotros éramos cuatro, cada uno escogió el suyo propio. Yo diseñé el mío y los demás escojieron el suyo según sus propias razónes.

Robert Plant: “Mi elección incluye la pluma, un símbolo en el cual se han basado todas las filosofías. Por ejemplo, para muchas tribus pieles rojas represeta valentía y coraje. Me gusta la gente que afronta la verdad y no porquerías. A esos se refiere en específico la pluma en el círculo”.

John Paul Jones: “Jimmy Page nos mostró el Libro de los Signos de Rudolph Koch y nos dijo que debíamos elegir un símbolo cada quien. Así que Bonzo y yo hicimos esos, aunque luego descubrimos que Jimmy y Robert habían diseñado los suyos sin avisarnos, algo típico de ellos”. (El símbolo de Jones fue seleccionado de las runas del libro de Koch. Representa a una persona que es al mismo tiempo discreta y competente.

John Bonham: Fuera de toda pretensión mística, Bonham escogío tres círculos entrelazados que representan la trilogía hombre-mujer-niño. Aunque tambíen pudo tener algo que ver con el hecho de que era muy parecido al logode la cerveza Ballantine.

Los cuatro símbolos llegaron a convertise en sinónimos de la banda. Page y Plant los utilizaron tiempo después, como el logo de su gira 1995 – 1996, mientras que Jones incorporó el suyo al arte de su disco solista Zooma.

Cuando Nashville Skyline (1969), el último de los discos brillantes de Bob Dylan durante los años sesenta, los fans examinaron cada uno de sus 27 minutos por señales de revolución musical. Pero, sin tal expectativa, este álbum es un excelente trabajo de country folk. Es cálido, lleno de canciones de amor y muestra a Dylan usando un tono barítono en lugar de su habitual voz. Durante el disco, Dylan cambia su torrente usual de palabras por un sentido de relajación, y hace bien: incluso canciones como “Peggy Day” y Nashville Skyline Rag” suenan confiadas y encantadoras. “Lay Lady Lay”, fue la más exitosa y se convirtió en el último gran tema de Bob Dylan en llegar a los primeros díez luagares de las listas de popularidad.

Tambien se incluye “I Threw It All Away”,una de sus baladas más bellas. Es el sonido de un hombre que tiene océanos de dolor encima de él  te pide que pruebes unos granos de sal.

Cuando el punk llegó como una respuesta combativa a la fatiga del rock de los años setenta, algo extraño sucedió: las bandas que tan sólo estaban interesadas en evocar a Chuck Berry fueron incluidas en esta tendencia británica. Esto significó que grupos como Tom Petty and the Heartbreakers se convirtieran, sorpresivamente, en los embajadores de una nueva música que, con su sonido vintage, difícilmente parecía nueva. El tecer disco de tom Petty and the Heartbreakers, Damn the Torpedoes, fue el que les abrió la puerta. Mientras Bruce Springsteen hacía pequeñas películas en las canciones, Petty componía música que, en la superficie, parecía menos ambiciosa. No obstante, creaba, escenas modestas con las que los escuchas se podían identificar de manera muy profunda. Si conocías lo que se siente tener un amor correspondido, tenías una canción en “Here Comes My Girl”. Si te sentías fuera de todo, entonces era “Even Losers”. Aunque Petty aparece sólo en la portada, este disco es un proyecto de grupo en el sentido más real. El teclista Benmont Tench y el guitarrista Mike Campbell, el tipo de músicos que pueden transformar una buena canción en algo genial, emergen como verdaderos estilistas del rock & roll. Cambell, toca con una especie de pereza que funciona perfecto. Producido por Petty y Jimmy Lovine, el disco suena como una banda en vivo… todo un triunfo. desde entonces, el grupo ha continuado haciendo eso sin repetir el mismo disco dos veces. Además, Petty ha escapado del polvo que llenó a muchos de su generación: a lo mejor, fue un verdadero punketo.

Lo que hizo a Oasis grande es que ellos se lo creian. Pensaban que tenían todo el derecho de tomar las mejores partes del rock, ya fueran tonadas de los años sesenta, drogas y groupies o el espectaculo de dos hermanos peleándose a golpes, una escena que no se veía desde los días gloriosos de The Kinks. Las canciones de la mente maestra del grupo, Noel Gallagher, eran reminiscencias de The Beatles. Algunas veces, para variar, hacía temas parecidos a Stevie Wonder o T.Rex.

El hermano menor de Noel, Liam Gallagher, es uno de los hombres más estupidos que se han parado con un micrófono, pero cantaba los temas de Noel con mucha energía, aún estrofras como: ”Caminando Lentamente en el pasillo/ Más rapido que una bala de cañón”.

Para cuando salió (What’s the Story) Morning Glory?, Noel escribía demasiadas canciones para que el grupo grabara. Mientras que su debut fue un rugido de tiempo veloz, éste demostró que eran igual de talentosos con las baladas rockeras: ya sea la tierna “Wonderwall”, la arrepentida “Don’t Look Back in Anger”, o la gloriosa “Champagne Supernova”. Muchas bandas han tratado de tomar prestado de The Beatles, pero pocos han logrado hacer temas que pasen la prueba, como lo hizo Oasis. Durante un momento glorioso, los Gallagher eran dueños de todos sus sueños rockeros.

Para mi el mejor disco de la banda, aunque no sean los mejores que ha habido pero creo que han creado canciones bastante buenas, este disco es un most en cualquier coleccion de cd’s que se considere respetable, si lo tienen entonces saben de lo que estoy hablando, y si no tomaria un poco de mi tiempo para apreciar lo que estos dos hermanos hacen de música.

En el otoño de 1888 se sembró el terror en las calles del East End de Londres. Durante 10 semanas este barrio fue el escenario de una serie de crímenes, lo que años más tarde fue nombrado el “Otoño del Terror”, nombre con el que bautizó un autor de la época a estos días sangrientos, que conmovieron hasta a la reina Victoria,  quien encomendó al Ministro del Interior, que era prioridad apresar al asesino de prostitutas.

Es así como los crímenes perpetrados por el siniestro personaje Jack The Ripper (nombre con el cual firmó las cartas que enviaba a Scotland Yard) se pierden en las transitadas calles de una marginal zona de Londres y llenan de espanto y conmoción a una sociedad victoriana que nunca supo, en definitava, quien en realidad fue “El Destripador”.

En realidad, el asesino de Whitechapel construye de si mismo una historia prosaica, puesto que nunca habrá certezas sobre sus origenes, por qué empieza a matar y tal vez lo más interesante: por qué deja de hacerlo.

Jack el destripador es el paradigma del asesino serial, un fantasma que se pierde en la noche y en la bruma londinense, un hombre que nunca fue fisto, que no pudo ser detenido y que si repentina desaparición no implica en absoluto que haya muerto.

Por este motivo este caso en particular en los anales de la historia de Scotland Yard es un enigma, un misterio que terminó por convertise en una leyenda.

De las seis víctimas que se consideran de su autoria, existen dudas acerc de la primera, una prostituta de 35 años, Martha Turner, que apareció con la garganta cortada el 6 de agosto de 1888.

Esta mujer, que fue ferozmente atacada, no mostraba las mutilaciones características de los asesinatos siguientes. Las deafortunadas que se clasifican como víctimas de Jack el Destripador fueron: Mary Ann Nicholls, Annie Chapman, Elizabeth Stride, Catherine Eddowes y finalmente Mary Kelly.

El asesinato final de la lista fue el más terrorifico. En dicha ocasión, “el Destripador” estuvo solo con su victima en un cuarto. Del informe ofrecido por la policía se desprende que la prostituta fue mutilada en forma aberrante:

La garganta había sido cortada de tajo con un cuchillo, casi separando la cabeza del cuerpo. El abdomen fue parcialmente rasgado y ambos pechos separados a cuchillazos del cuerpo; el brazo derecho como la cabeza, colgaba del cuerpo solo por la piel.

La nariz habia sido desprendida, la frente despellejada y los musclos descarnados hasta los pies. El abdomen había sido cortado de arriba hacia abajo.

El mes de septiembre de 1888 el asesino se da a conocer en una carta que envio a la Agencia Central de Noticias de Londreas, la cual llevaba la firma de Jack The Ripper.

La esquela decía:”Anduve oyendo que la policía ya sabe quién soy. Me he reído al verlos decir que están en la dirección correcta[...] Amo mi trabajo y ya quiero empezar de nuevo. Pronto volvera a escuchar de mis divertidos juegos [...]Suyo sinceramente, Jack, el destripador”.

Ese mismo mes, Charles Lusk, recive otra cara, esta decía: “Lusk puede buscar en todo el infierno pero no me encontrará aunque estoy frente a su noriz todo el tiempo. Su viejo amigo Jacky.”

Eso no fue todo: también le envió un paquete y una nota: “Desde el infierno. Mister Lusk, le envió la mitad de un riñón que tomé de una mujer. La otra la freí y la comí. Estaba muy bien. Agaárreme si puede”.

Finalmente, Jack salió de escena tan anónimamente como había entrado. Sobre la verdadera identidad e este homicida se bajaron infinitas hipótesis.

Llegaron a incriminar desde doctores hasta a carniceros y tambien un matarife judío. Otras teorias culparon al príncipe Alberto Victor, un personaje de la realeza que llevaba una vida disipada. Algunos adjudicaron los hechos a una conspiración masónica.

Contemporaneamente, Patricia Cornwell aseguró que el hombre detrás de Jack el Destripador era el pintor Walter Richard Sickert.

Cornwell decició analizar una serie de cartas que habitualmente se atribuyen al propio Jack. De esta manera descubrió una carta nueva del asesino que presentaba una marca de agua característica de Perry & Sons, de quien también era cliente Sickert.

No cabe duda que quien haya sido Jack el destripador, sin duda fue una persona muy inteligente, no por esto estoy diciendo que estuvo bien lo que hizo ni nada por el estilo, pero fue tal la astucia de este desconocido que durante todo un año tuvo pensando a la que en ese entonces era la mejor policia del mundo, Scotland Yard. Y a pesar de que es un asesino en serie siempre sera recordado dentro de la historia, como el “Asesino de Whitechapel”, como “el destripador”, entre otros. Y como el lo hubiera dicho “One day men will look back and say that I gave birth to the twentieth century.” (Un dia los hombres miraran para atras y diran que yo dí inicio al siglo veinte).

Han sido llamados la mejor banda de rock and roll sobre la tierra. Durante más de cuarenta años su presencia ha estado ahí presente, a pesar  de que hace diez años que no graban un disco en estudio. Los Rolling Stones son parte inalienable de la música popular del siglo XX y su influencia sólo es superada por la de los Beatles, con quienes siempre se les comparó hasta el grado de considerárseles “rivales”. Herederos musicales de los grandes intérpretes de blues, rythm and blues, y soul de los Estados Unidos, estos londinenses no sólo ayudaron a reivindicar la música de gente como Willie Dixon, Howlin’ Wolf, Muddy Waters o Jimmy Reed, sino que la adaptaron a un estilo

 propio y lograron crear un sello característico. Los talentos unidos de Mick Jagger, Keith Richards, Brian Jones, Bill Wyman y Charlie Watts conformaron una sólida agrupación que durante la décadade los sesenta dio vida a canciones y álbumes que han trascendido hasta convertirse en iconos de la centuria pasada. Y lo mismo hicieron durante la primera mitad de los setenta, ya sin el malogrado Jones y con Mick Taylor en su lugar, y más tarde en los ochenta y los noventa (con Ron Wood como nuevo integrante), aunque en estis dos últimos decenios -hay que decirlo-con menor genio creativo.  Temas como “(I Can’t Get No) Satisfaction”, “The Last Time”, “Street Fighting Man”, “Ruby Tuesday”, “Sympathy for the Devil”, “Jumpin’ Jack Flash”, “She’s a Rainbow”, “Honky Tonk Women”, “Brown Sugar”, I Got the Blues” o “Angie” y discos como Out of Our Heads, Beggars Banquet, Let It Bleed, Sticky Finger y Exile on Main Street significan un legado perenne que ha marcado a varias generaciones. si en algún momento llegó la decadencia, si Jagger sucumbió ante los oropeles del jet set internacional o si Richards ha tenido serios problemas con su adicción a las drogas duras, son cuestiones anecdóticas que no cuentan a la hora de evaluar lo que al final siempre queda: la obra artísitca, en este caso la música de altísimo nivel y enorme autenticidad que los Rolling Stones regalaron al mundo, es decir, a nosotros. ¿Es sólo rock and roll? Pues sí. Pero cómo nos gusta.

Este post fue solo por un gran deseo que tenia de recordar a estas bandas de los ochentas, que a pesar de que en esa época casí todo dentro del ambito musical fue decadente pues la mayoria de los artistas fueron plasticos o si no una simple farsa de lo que fuese la buena musica de otras décadas, pues también existian verdaderos musicos, y aunque la mayoria de ellos simplemente fueron “one hit wonders”  todos ellos dejaron una marca dentro de la historia de la mùsica y sobre todo infuenciaron a bandas contemporaneas.

Entre estas bandas decidí poner a The Romantics con su canciòn “Talking In Your Sleep”, que aunque no fue el mayor exito de la banda lidereada por Wally Palmar, ya que su mayor éxito fue “What I Like About You”, pero a mi parecer ”Talking In Your Sleep” supera por mucho a la canciòn que posiciono a esta banda en los primeros lugares de las listas.

El segundo video que decidi poner fue “Turning Japanese” de The Vapors, una banda de New Wave surgida en Inglaterra, lidereada por David Fenton.

A pesar de la corta vida de esta banda, dejaron marcada la época de los ochenta con su canciòn “Turning Japanese”. Un dato curioso sobre esta canciòn es que en Estados Unidos se creia que el tema de la canción era relativo a la masturbación, especificamente a ciertos gestos faciales que pueden recordar a los estereotipos de los japoneses. Dave Fenton alternadamente confirmaría y negaria esta sugestión en entrevistas, aunque el vio la canción como una canción de amor cuando la escrbió.

Por otro lado escojí a la banda de synthpop “A Flock of Seagulls”, formada por los hermanos Mike Score (Teclados y Vocalista) y Ali Score (bateria), junto a Frank Maudsley (bajo) y Paul Reynolds (Guitarra). Ellos se hicieron notablemente famosos en 1982 por su video “I Ran (So Far Away)” el cual llego a ser el número nueve en la lista de hits en los Estados Unidos. Las letras de esta canción trataban la ansiedad asociada a familiarizarse con una persona por la cual uno siente atracción.

Otra banda que elegí fue a “The Outfield” una banda de rock/pop britanico. Esta banda empezó a grabar a mediados de los ochentas, para 1985 ya habian sacado su primer disco, Play Deep, que en américa se conviritio en un triple platíno, es de este disco de donde sale el video “Your Love”, que alcanzó el top ten en norte américa.

Por último tenemos a Alphaville con su canciòn de “Big In Japan”. Tal vez de esta es la menos conocida de todas las bandas que liste anteriormente. Esta banda de synthpop surgiò en Alemanìa y fudada por Marian Gold. Lazaròn su unico exito en las listas de hits en 1984, y fue la canciòn “Big In Japan”. Sus siguentes dos sencillos nunca alcanzaron el exito que obtuvo “Big In Japan” pues ni siquiera llegaron al continente americano, aunque en Europa estuvieron dentro del Top 10 de sucesos en europa.

Tal vez ninguna de estas bandas es recordada en la actualidad pues los 80’s no fueron una decada de inovaciòn, ni de talento musical, pero creo que es bueno recordar a algunos de los dejaron una huella en la historia de la mùsica y tal vez para algunos estos musicos nos sirvan de influencia como para otros les sirva para recordar que siempre hay que apoyar a lo que es la buena musica y no las cosas plasticas que tenemos en esta epoca (Jessica Simpsons o Britney Spears, o en nuestro caso RBD y Belinda, por mencionar algunos), pues otra cosa importante de estas bandas es que todas estuvieron dentro del underground y nunca buscaron el exito, tanto es asi que muchos de ellos siguen tocando sin esperar el exito que tuvieron con su “One hit Wonder”

A pesar de lo que muchos creen, esta canción no original del grupo Love Spit Love, ni mucho menos es la canción que que hicieron para Charmed,  la verdad es que esta canción pertenece a Steven Patrick Morrissey y a Johnny Marr,ambos músicos integrantes de la legendaria banda “The Smiths”.

Esta canción fue escrita en 1984 y fue lanzada en el primer disco del grupo, el homónimo ”The Smiths”. Seymour Stein, gerente de la disquera Sire, la llamó  la “Stairway to Heaven” de los ochentas. Pero a pesar de prominente lugar en el repertorio de The Smiths, no esta considerada dentro del estilo de la banda.

La canción contiene solo un verso que se repite dos veces apart de un coro y un bridge. Esta canción trata sobre un individuo que no puede encontrar la manera escapar de su timidez. Dos partes de la canción son muy bien conocidas dentro de la cultura pop, el verso introductorio: I am the son, and the heir, of a shyness that is criminally vulgar / I am the son and heir, of nothing in particular” (Yo soy el hijo, y el heredero, de una timidez que es criminalmente vulgar / Yo soy el hijo y el heredero, de nada en particular), y el coro: “I am human and I need to be loved / Just like everybody else does” (Soy humano y necesito ser amado/ Como todo los de más lo son).

Sin nada más que decir, este es el video de esta gran canción que marco la musica del rock/pop en los ochentas.

Nacido el 7 de junio de 1967 en Santa Mónica, California, hijo de un inmigrante mexicano y de la modelo estadounidense Constance Colleen (asesinada por su novio en 1983), David Michael Navarro formó parte de los Red Hot Chili Peppers en el no tan breve periodo que va de 1993 a 1997. Como sustituto del guitarrista John Frusciante, sólo participó en el álbum One Hot Minute y fue despedido del cuarteto debido -vaya paradoja- a sus problemas con las drogas. Poco antes había revelado que se consideraba bisexual. Antes (y después) de su estancia con los Red Hot Chili Peppers fue miembro fundamental de Jane’s Addiction, la banda encabezada por Perry Farrell.

Navarro aprendió a tocar guitarra a los doce años, inspirado por Jimi Hendrix, y siendo muy joven integró su primer grupo, South Dakota Channel. Hoy suele tocar con su proyecto The Panic Channel y con la banda de covers Camp Freddy. En 1996 participó como invitado en el álbum Jagged Little Pill de Alanis Morrisette y en 1998 en el Mechanical Animals de Marilyn Manson.

Como solista, grabó el regular Trust No One en 2001.

Casado por tercera vez -hoy día su esposa es la actríz porno Carmen Electra-, ha actuado sin pena ni gloria en un par de películas (Floundering de 1994 y Uptown Girls del 2003) y en alguna época escrbió la columna cinematográfica “Movies & Crap” para la revista Bikini. Aparte ha colaborado en publicaciones como Details, Ray Gun y US Weekly. Esporadicamente actúa en series de televisión.

Considerada por no pocos como una banda “menor”, los Red Hot Chili Peppers han sido, a lo largo de más de dos décadas, una de las agrupaciones más importantes del planeta. Surgido a mediados de los ochenta, este cuarteto no sólo ha construido una propuesta original y perfectamente característica, sino que su influencia ha trascendido en el tiempo para alcanzar a cuando menos dos o tres generaciones de músicos y escuchas. Con un estilo fresco, desparpajado, desenfadado, provocativo y cínico, su música es tan distingible como las personalidades de sus integrantes. Anthony Kiedis, Flea, John Frusciante y Chad Smith (además de gente como Hillel Slovak, Jack Irons y Dave Navarro) han sido capaces de crear eso de lo que muy pocos pueden presumir: un sonido propio. A pesar de una vida de excesos (¿o debido a la misma?) sus composiciones, sus álbumes y sus conciertos poseen un aura muy especial en la cual el desenfreno se combina con la delicadeza y el estruendo se entremezcla con la ternura. Melodiosos, sutiles y armoniosos pero a la vez tremendamente rítmicos; raperos, funkeros y baladeros pero al mismo tiempo pulcramente rocanroleros, estos chiles más que picaantes no sólo nos han dado discos de primer nivel (del Freaky Style al Blood Sugar Sex Magik y del Californication al Stadium Arcadium) y canciones memorable (ahí estan hermosas piezas de orfebrería sonora como “I Could Have Lied” y “Breaking the Girl” o vertiginosos temas con afilados beats como “Suck My Kiss” y “Hump the Bump”, para no hablar de sus conocidísimas “Give It Away”, “Under the Bridge”, “Scar Tissue” o “Californication”), sino una posición ante la vida que los ha llevado a salir adelante a pesar de las mil y una vicisitudes en las cuales se han visto inmersos.

En 1994, una de las mejores bandas de grunge lanzó Interstate Love Song, esta banda fueron los Stone Temple Pilots, antigüa banda de Scott Weiland, ahora lider de Velvet Revolver.

A pesar de que muchos fanaticos de los Stone Temple Pilots no estan de acuerdo con el significado de la canción, Scott Weiland dice que  es sobre el mintiendole a su novia mientras iba en la carretera, diciendole a ella que estaba libre de drogas.

Esta canción esta considerada como el hit #1 de la banda , alcanzó esta posición dentro del mainstream de las canciónes del rock en la lista de  billboard el 17 de Septiembre de 1994. Interstate Love Song remplazó a otra número uno ,”Vasoline”, tambíen de los Stone Temple Pilots. “Interstate Love Song” permaneció como número 1 durante 15 semanas lo cual durante esa época era bastante.

Esta es una presentación en vivo de los Stone Temple Pilots durante el Rolling Rock.

Y sin nada más que decir, solo me queda pedir que ojala y esta gran banda se reuna para que todos aquellos como yo que no tuvimos la oportunidad de verlos en vivo podamos apreciar, por que es que se volvieron tan importantes dentro del genero Grunge.

Cuando los californianos Justin Warfield y Adam “Adam 12″ Bravin de She Wants Revenge lanzáron su álbum debut a principios del 2006, rápidamente llegó a ser evidente que habían creado un soundtrack para lo obscuro y todo aquello que tiende a complacer los placeres sensuales dentro de las pistas de baile alrededor de los Estados Unidos.

Como sus antepasados del rock electronico (Dave Gahan, Robert Smith y Ian Curits) habian hecho antes, She Wants Revenge ofreció una voz y un sonido para los amantes despreciados, las amas de casa aburridas, para aquellos hipsters hartos y para los antreros alrededor de la nacion, todos seductivamente moviendo las caderas y poniendo caras largas con aquellas pegadizas canciones como “These Things”, “Out Of Control” y el hit instantaneo que fue “Tear You Apart”.

Al seguir los pasos musicales de su infancia, She Wants Revenge consagraron fanaticos alrededor del mundo, con sus letras de traición, mentiras y engaño. Llegaron a vender tan solo en Estados Unidos 300 mil de copias de su primer disco.

She Wants Revenge se dio cuenta que los fans anhelaban algo más que una canción promedio de amor, y que si iban a escrbir canciones, tenian que explorar aquellas dinámicas entre hombre y mujeres que usualmente se dejan inexploradas y sin examinar.

Fijos en un beat infeccioso, She Wants Revenge decidió escribir sobre las cosas que uno no debe hacer y las cosas que uno hace cuando nadie está mirando.

La canción que encapsuló todo lo antes dicho fue su primer sencillo “Tear You Apart”, que rapidamente se integró el Top 5 en las estaciones radiofónicas de música alternativa y fue uno de los más grandes hits dentro del 2006. Joaquin Phoenix se encargó en dirigir el video del sencillo que ganó una gran rotación en los principales canales de videos musicales, alcanzó millones de hogares y creó una aceptación dentro de las cabezas de los criticos y de muchos fanáticos y así entraron en casi todas las colecciones de discos.

Un poco despues, fueron invitados a compartir varias fechas en gira con los idolos británicos “Depeche Mode”, en un simbólico y surrealista pase de batuta, She Wants Revenge comenzó a percatarse de que la música que tan amorosamente habían compuesto empezabá  a lograr una mayor audiencia de la que ellos jamás se imaginaron. Aparecieron en los programas estelares de Estados Unidos incluyendo a Conan, Letterman, Kimmel y Leno. Salieron en giras junto a Bloc Party, The Kills y Placebo recientemente.

Ahora se encuentran en el segundo round de su con el segundo álbum “This Is Forever”, que salio el 9 de Octubre de este año, Justin Warfiel y Adam “Adam 12″ Bravin han hecho lo que pocas bandas nuevas han alcanzadó a hacer, no solo lo que implica hacer un segundo disco, sino grabar un álbum que muchos dirian que supera al de su impresionante debút.

“This Is Forever” continua donde su álbum debut homónimo terminó, una figurada mañana despues del baile de la noche anterior. Continuando por el camino de crear atravez de la música provocativa y emocional, el álbum trata temas familiares como el amor, la perdida y la traición, todo con un toque más obscuro, con beats aún más duros, y si es posible con canciones aun más pegadizas… una gran hazaña, pero que han recividó con los brazos abiertos. Sin la intención de tocar seguros esta vez, estos músicos han hecho un álbum desafiante y del cual estan orugullozos de presentar a sus leales fanáticos y a los no iniciados tambíen.

Queen es un grupo que conovoco extremos. Se le ama o se le detesta, fascina o provoca repulsión, puede ser adictivo o vomitivo. Con su actitud muchas veces estrambótica, exagerada, excesiva y ciertamente kitsch, el cuarteto formado por el extitnto cantante y pianista Freddie Mercury, el guitarrista Brian May, el bajista John Deacon y el baterista Roger Taylor creó un estilo tan inconfundible como indescriptible y no me refiero solamente a la parte musical, por sí misma única y difícil de clasificar y/o adjetivar, sino a la adjetivar, sino a la actitud de sus integrantes (muy en especial, claro la de Freddie Mercury, su líder) y a lo que proyectaban más allá de sus discos y sus composiciones. Y es que no hay forma de comparar a Queen con grupo alguno en la historia del rock. Si bien su estilo musical contiene, entre otro, elementos del pop, rock progresivo, el heavy metal y hasta el rockabilly y el music hall, la fusión que logro es casi un género en si mismo. Para bien o para mal, nadie ha cantado de la manera como Freddie Mercury lo hizo; para bien o para mal, nadie ha tocado la guitarra al igual que Brian May. Temas como “Bohemian Rhapsody”, “Somebody to Love”, “Another One Bites the Dust”, “Save Me” o “Who Wants to Live Forever”, tan excedidos como son, tan al borde de la cursilería, el melodrama o lo churrigueresco como llegan a estar, por alguna extraña razón siempre se contienen antes de desbordarse, siempre se mantienen atrás de la línea de la demasía. Pero está también el tema de la actitud. Autosumida su condición de grupo súper estrella, tan repudiado durante la irrupción del movimiento punk, Queen logró esquivar los misiles de la crítica más salvaje y de los cuestionamientos más sanguinarios para renacer más de una vez de sus cenizas y terminar convertido en leyenda. Si a ello agregamos la tragedia de la muerte de Freddie Mercury debida al SIDA, dicha leyenda se consolida y sitúa a la agrupación como uno de los iconos fundamentales dentro del devenir del rock. Se puede amar a Queen, se la puede odiar, pero imposible resulta negarlo o ignorarlo. Ese es el secreto de la trascendencia.

En cuatro años, The Killers se ha convertido en una de las grandes historias de exito dentro del genero del rock. Hot Fuss y Sam’s Town catapultaron a esta banda de Las Vegas, Nevada, hasta convertirla en una banda de gran éxito mundial. Sawdust es la tercera obra discográfica de este gran grupo. La compilación de Sawdust ensambla las minucias del pasado de los Killers -remixes, b-sides, canciones antes nunca lanzadas, algunos covers, singles de soundtracks y una nueva colaboración con Lou Reed llamada “Tranquilize”. Dentro de las probabilidades y los extremos que se incluyen en este nuevo disco, se encuentra el cover de la canción “Shadowplay”, de otra genial banda llamada Joy Division, la joya nunca antes lanzada “Leave the Bourbon on the Shelf”, el cover de “Romeo and Juliet” de Dire Straits y el remix de “Mr. Brightside”.

Sawdust en realidad no es el tercer disco de la agrupación, sino que simplemente seria un B-Sides, pero esto no le quita el merito a este disco, así que esto debera complacer a los fans hasta que salga el nuevo disco en el 2008.

La fecha de lanzamiento de Sawdust se tiene prevista para el 13 de Noviembre del 2007.

En el siguiente link se encuentra una pequeña muestra de lo que nos espera para esta obra discográfica

http://phobos.apple.com/WebObjects/MZStore.woa/wa/viewAlbum?playlistId=266764069&s=143441&i=266541849

La imagen de Jimmy Page es una de las más reconocibles en la amplia iconografía del rock. Lo es también su estilo de tocar guitarra, con grandes variaciones que pueden ir de la dura agresividad bluesera a la más sútil de las suavidades acústicas y de la cerebral experimentación técnica a la profunda introspección mística. Su sello en la musica de Led Zeppelin -como compositor, como productor, como instrumentista- es la clave del sonido de este grupo y su influencia en varias generaciones de guitarristas resulta hoy incuestionable.

James Patrick Page nació el 9 de enero de 1944 en Heston, Middlesex, Inglaterra. Empezó a tocar la guitarra a los trece años, inspirado por las canciones que tocaba Elvis Presley. El rock comenzó a robarse toda su atención y a pesar de ser un estudiante aplicado, terminó por abandonar la escuela para formar su primera banda: Neil Christian & the Crusaders, con la cual recorrió parte de Inglaterra. Luego de una fuerte enfermedad glandular, ingresó al colegio de arte de Sutton y abandonó temporalmente la música, para regresar definitivamente a ésta a principios de los sesenta. No lo hizo sin embargo en un grupo, sino como guitarrista de sesión, labor en la cual no tardó mucho en convertirse en uno de los más solicitados. Jimmy Page participó en grabaciones de The Kinks, The Who,Them, Donovan y The Rolling Stones, entre muchos más.

En 1966, ingresó a los Yardbirds, primero como bajista y luego en segundo guitarrista y reemplazo de emergencia cada vez que Jeff Beck se ausentaba. Su influencia hizo que el grupo comenzara a caminar por los caminos del rock duro y la psicodelia. Dos años y un álbum después, los Yardbirds se disolvieron y Page formó Led Zeppelin, aventura que duró doce largos e intensos años. En ese tiempo, el grupo fundó la disquera Swan Song y  Jimmy cayó en el remolino impetuoso del sexo, las drogas y el ocultismo, convirtiéndose en adicto a la heroína y en fanático de las ciencias ocultas, hasta el punto de comprar la mansión de Loch Ness, en Escocia, que habia pertenecido al célebre satanista Aleister Crowley.

A la disolución de Zeppelin en 1980, luego de la muerte de John Bonham, Jimmy Page desapareció por un tiempo de la luz pública y de hecho prácticamente dejó de tocar la guitarra. Su depresión duró cerca de dos años pues no fue sino hasta 1982 que regresó a la música, al escrbir la banda sonora de las peliculas Death Wish I y Death Wish II, apart de producir la recopilación de Led Zeppelin “Coda” y participar en 1983 en la gira benéfica ARMS, al lado -ni más ni menos- que de Jeff Beck y Eric Clapton. En 1984, formó un nuevo grupo, The Firm, con el ex Free y ex Bad Company Paul Rodgers en la voz. Ese mismo año fue músico invitado en el proyecto de Robert Plant, The Honeydrippers.

Ya en 1988, volvería a tocar en un disco de Robert Plant y lanzó un disco como solista (Outrider). En 1990, compiló el estuche de cuatro discos Led Zeppelin Box Set y en 1993 un álbum de dos discos con el material que no entró en dicho estuche. Ese mismo año, se unió con el ex vocalista de Deep Purple y Whitesnake David Coverdale, con quien grabó un albúm, y en 1994 se reunió con Plant para participar en un MTV Unplugged y hacer juntos un par de discos. A finales de los noventa, Page tocó constantemente con los Black Crowes y en el 2000 apareció el disco en concierto Live at the Greek. En el2001 volvió a tocar con Plant durante el sesenta aniversario de su amigo, el músico de folk Roy Harper (a quien habian homenajeado con un tema en el Led Zeppelin III), y este 2003 produjo How the West Was Won, extraordinaria compilación de grabaciones en vivo de Led Zeppelin que apareció en disco compacto y en DVD.

Pocas bandas provenientes del underground pueden presumir de haber tenido tanta influencia y tan pocos discos como Pixies. Con un estilo difícil de definir, en la cual el punk se entreteje con el surf, el pop y el rock clásico, la propuesta de Charles Thompson (o Black Francis o Frank Black), Kim Deal, Joey Santiago y David Lovering consiguió, en un lapso tan breve como el que va entre 1988 y 1991, trastocar las estructuras del llamado rock alternativo y de paso las del mainstream, para dar paso a una serie de agrupaciones -entre ellas muy destacadamente Nirvana-  que habrían de construir un amplio movimiento, posiblemente el último que revolucionó realmente al rock. Por desgracia, como ha sucedido con muchas otras agrupaciones a lo largo de la historia, Pixies padeció los típicos problemas de egos, drogas, desavenencias, celos, etcétera que terminan por diluir a cantidad de bandas que prometían mucho más. La cosa sin embargo no fue tan grabe, ya que al disolverse el cuarteto dio ppaso a proyectos tan buenos como Breeders o Frank Black and the Catholic, aparte de que a últimas fechas los Pixies se han reunido en diversas ocaciones para volver a tocar juntos. De cualquie manera, lo que queda es el legado de su música, de esos cuatro discos de estudios y de muchos otros que han aparecido en el mercado. Canciones como “Bone Machine”, “Gigantic”, “Where Is My Mind?”, “Debaser”, “Here Comes Your Man”, “Monkey Goes to Heaven”, Is She Weird” o “U Mass” están ahí para ser disfrutadas en todo lo que tienen de irónicas, desafiantes, herméticas y rocanroleras. Pixies permanecerá para siempre.

Decir  Led Zeppelin es decir muchas cosas. Es hablar de una de las grandes leyendas del rock, de una agrupación que en sí misma sintetiza todo lo que ha sido este género a lo largo de cinco décadas. Desde su música -nacida del blues y mezclada con elementos de la psicodelia, el folk, el rock duro, las tonalidades del Medio Oriente y de la India- hasta los excesos en los cuales sus integrantes se vieron envueltos durante los dice años que duró la aventura -pocos como ellos podrían decir que llevaron  hasta sus últimas consecuencias la famosa sentencia de sexo, drogas y rock n’ roll-, Led Zeppelin no sólo fue una banda de rock, fue la encarnación misma del rock en una de sus épocas más turbulentas y deliriantes.

Creador de obras clásicas y fundamentales, piedra de toque para infinidad de agrupaciones que lo siguieron, iniciador de lo que más tarde sería conocido como heavy metal, el zepelín de plomo surcó los cielos más claros y los más borrascosos, deafió los climas más tempestuosos y adversos, para seguir avante con una serie de álbumes y composiciones que forman parte de la educación sentimental y por supuesto musical de varias generaciones.

Hoy en día, Led Zeppelin sigue sonando actual, pleno y vigente. La herencia de Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones y John Bonham está ahí, para quien quiera oírla y disfrutarla. Cada uno contribuyó para hacer la música del cuarteto algo singular y reconocible. La guitarra majestuosa de Jimmy Page, la voz extraordinaria de Robert Plant, el aplomo del bajo y teclados de John Paul Jones y el potente estruendo de la batería de John Bonham se conjuntaron para producir una unidad que, literalmente, sólo la muerte pudo destruir.

Led Zeppelin esta aquí, sigue aquí, vivo y explosivo, fuerte y conmovedor. “It’s been a long time since I rock and rolled”, cantaba Robert Plant hace treinta años. En efecto, ha sido un tiempo largo, pero un tiempo que permanece y permanecerá. Afortunadamente.

Compuesta y Grabada en plena era del punk y la música disco, esta colección de canciones toma elementos musicales de ambos géneros, los emplea con sabia ironía y los mezcla con un rock seco, duro, desnudo, de bajo presupuesto. En tiempos en los cuales la crisis energética azotaba al mundo, Ray Davies hizo un retrato puntual y sardónico de las angstias existenciales de esos días, cuando el dinero no alcanzaba, cuando la gasolina escaseaba, cuando el desempleo azotaba al primer mundo y la gente suspiraba por la aparición de un Superman o un Capitán América (cualquier semejanza con la actulidad no es mera concidencia). Low Budget es un trabajo sin fisuras, once composiciones en las que Davies retoma su vena satírica para fustigar a unos Estados Unidos que se hundían en un periodo de recesión y ante el fracaso de la presidencia de Jimmy Carter, se disponían a entrar (apenas dos años después) a la era reganiana. El disco arranca con la genial “Attitude”, mediante un riff de guitarra extraordinario (obra, claro, de Dave Davies) y de fuerza brutal. Lo que sigue no es menos brillante y continúa con la irresistible “Catch Me Now I’m Falling” (con su acorde alentadi a la “Jumpin’ Jack Flash” y un sax sensasional), la sicótica e hiperquinética “Pressure” (grabada en una sola toma), ese alegato contra la sobremedicación (“Nervous tention, man invention”) que es la acompasada y cuasi reggae “National Health”, el sardónico disco-rock “(Wish I Could Fly Like) Superman” (“Quiero volar y ni siquiera puedo nadar”), la homónima y espléndidamente crítica “Low Budget” (un canto al hombre económicamente quebrado: “Excuse my shoes/ they don’t quite fit/ They’re a special offer/ and they hurt me a bit”), la curiosa historia contra la sobrepoblación que es “In a Space”, la preciosa “Little Bit of Emotion” (en la cual Davies cuestiona a la gente que no es capaz de mostrar sus emociones y sentimientos: “We’re afraid to see a bit of emotion/ So we walk away”), el increíble blues de “A Gallon of Gas” (una de las cumbres del disco, con su sólida guitarra, sus cambios armónicos y su genial letra sobre la escasez de combustible y el hecho de que “la carreteras están desiertas y el aire huele desnaturalmente a limpio”), la movidísima y muy divertida “Misery” (“You are such a misery/ why don’t you learn to laugh?”) y la concluyente y hasta relajada “Moving Pictures” (“Vivimos, morimos, nadie sabe por qué/ la vida es sólo una película en movimiento”). Un disco que es un testimonio pero también una obra de arte.

Tracklist

1. Attitude
2. Catch Me Now I’m Falling
3. Pressure
4. National Health
5. (Wish I Could Fly Like) Superman
6. Low Budget
7. In a Space
8. Little Bit of Emotion
9. A Gallon of Gas
10. Misery
11. Moving Pictures

Actualmente el cáncer de próstata es el que más afecta a los varones; por ellos, es bueno saber qué lo causa y cómo prevenirlo. Algunos tumores benignos pueden provocar cáncer si no son tratados oportunamente. Dichas condiciones precancerosas tienden a aparecer como verrugas o zonas de piel irritada ubicadas en el glande, aunque tambíen suelen presentarse en cualquier parte del pene. 

Causales:
1.- No estar circuncidado y falta de higiene: En los no circuncidados baja el prepucio (piel que cubre el glande) se puede acumular una secreción aceitosa de la piel o celulosa muertas llamadas espegma, la cual, aunado a la falta de higiene, provoca que el prepucio no se retraiga adecuadamente, aparte de una mayor acumulación de masilla. Según los especialistas, esto puede facilitar el desarrollo del cáncer.

2.- Virus del Papiloma Humano (VPH): Investigadores creen que el VPH puede ser un factor de riesgo para desarrollar cáncer en el pene, porque es la mayor causa de cáncer de cérvix, vagina y vulva en las mujeres.

3.- Tabaquismo: Incrementa la posibilidad de desarrollar cáncer de uretra. Si fumas, tu cuerpo esta espuesto a muchas sustancias que son absorbidas por el torrente sanguíneo y, en consecuencia, regadas por todo el organismo. Los investigadores creen que estos químicos dañan el ADN de las células del pene.

4.-Edad: Es un factor de riesgo, pues casí dos tercios de los casos diagnositicados, son hombres mayores de 65 años.

Prevención

1.-Higiene: es muy importante, pues además de evitar infecciones, permite estar al tanto de cambios suscitados en la piel del pene.

2.-Usar condón: No solo evita embarazos no deseados, sino infecciones -como el VPH- que posteriormente desencadenan el cáncer y otras enfermedades de transmisión sexual.

3.- Dejar el tabaco: Permite que el cuerpo recupere sus defensas y limita el desarrollo de cáncer en cualquier parte del organismo.

4.- Hacer ejercicio: Mejora el Metabolismo y ayuda a que la sangre circule mejor.

“You Really Got Me” es una pieza maestra cuya estela perdura hasta el día de hoy. Brindó alimento al beat británico, al rock de garage y al hard rock (está considerado como el primer tema del género) y al heavy metal.

You really Got Me  reunió en sus dos minutoss con trece segundos los elemento para convertise en una pieza reveladora. El tema provocó una revuelta instantánea en la música de entonces, enfatizada sobre todo por el riff  de la guitarra de Dave Davies ( de solo dos acordes) y el sonido saturado, porque en tal época no existían los pedales de guitarra y la distorsión se consiguio como inventa garagero.

“You Really Got Me”, piedra de toque en la historia del rock y para muchos, con el primer riff metalero de la historia.

Este es un video de una presentación en un programa de la BBC de Londres Disfrutenlo

A lo largo de más de veinte años, The Cure ha sido punto de referencia para comprender la historia del rock. Desde sus primeros balbuceos musicales a mediados de los setenta hasta la sofisticación conseguida durante las dos décadas siguientes, la agrupación lidereada por ese peculiar personaje que es Robert Smith logró lo que miles de bandas en el mundo anhelan y muy pocas consiguen: tener un sonido, un estilo y un sello propio.

The Cure supo combinar dos géneros en apariencia opuestos: el gótico y el pop. Por un lado estaba esa vena oscura y misteriosa, esa tendencia a lo tenebroso que resaltaba en la música de tonalidades menores, con ritmos lentos, armonías densas y melodiás que enfatizaban lo dramático, así como las letras desgarradas, suplicantes, en ocasiones crueles y sangrientas. Pero estaba también la otra parte, la ligera, la suave, la de colores más o menos claros y hasta luminosos, la de la música pop y sus convenciones, con estructuras ortodoxas que se traducían en bellas y sencillas canciones de amor. Entremezclar esas dos vertientes tan ajenas entre si y dar nacimiento a un híbrido que, no obstante su inusial naturaleza, resultaba tan natural y sin artificios ese es el mayor mérito de este grupo inglés absolutamente sui generis.

Muchos fueron los cambios de alineación, los problemas internos, los escándalos, las depresiones, los odios, las pugnas que se dieron en el seno de The Cure. Sin embargo, consiguió mantenerse siempre presente, con una discografía fuera de serie y una profundidad artística que le aseguró para siempre un lugar destacado en el firmamento del rock.

Aunque estrictamente hablando no es el grupo fundador del heavy metal, en términos emocionales si lo es. Black Sabbath representa el ingreso de las tendencias oscuras, ocultistas y hasta demoniacas dentro de del mundo del rock, mismo que cuando el cuarteto de Birmingham, Inglaterra, apareció en escena, a finales de los años sesenta, estaba dominado por la utopía hippie y la ingenua creencia de que la paz y el amor eran la solución para todos los problemas del mundo y que muy pronto se daría el advenimiento de una nueva humanidad, hermandada por la solidaridad, la comprensión, la igualdad y toda clase de querencias afectivas. Por desgracia no sería así y la realidad, con toda su brutal franqueza, habría de destrozar aquellas ilusiones y abrir los ojos hacia un ambiente más bien ominoso, en el cual la música y las letras de Black Sabbath encajarían con inquietante perfección. Tony Iommi, Ozzy Osbourne, Geezer Butler y Bill Ward se convertirían en sumos sacerdotes del rock más denso y pesado que hubiera existido hasta entonces, en ministros de un un culto que hoy persiste y al que genéricamente se conoce como metal. Pero la historia de Black Sabbath no es así de simple. Sus integrantes tuvieron que vivir sus propios infiernos, dominados por los excesos de todo tipo y por una serie de desaveniencias que acarrearía cualquier cantidad de rompimientos y cambios en la conformación original del grupo. Y a pesar de ello, siempre se mantuvo una línea de continuidad, gracias sobre todo a la permanencia de Tony Iommi -el único miembro de Black Sabbath que jamas dejó a la banda-, quien es por mucho no solo el progenitor del proyeto sino su principal protector y arquitecto. De esta manera, a cerca de treina y siete años de la grabacíon de sus primeros dos álbumes, Black Sabbath conserva su exclusivísimo lugar como la agrupación primigenia del rock pesado; al lado de Led Zeppelin y Deep Purple, sí, pero con un mérito del cual carecieron los otros dos conjuntos: una absoluta lealtad, rayana en la devoción, a las fuerzas oscuras que engendraron al heavy metal.

Esta es una de mis canciones favoritas, simplemente me encanta todo de ella, la banda que es para mi una de las mejores que hubo en el rock durante de los años noventa, luego la melodia, es imposible no dejarse llevar por esos riffs tan poderosos y la voz del vocalista Billy Corgan, y finalmente, una letra que dejaria a uno pensando y nos haria recapacitar sobre la situación en la que se encuentra el mundo y que este podria empeorar si no hacemos algo por mejorarlo.

The world is a vampire, sent to drain
Secret destroyers, hold you up to the flames
And what do I get, for my pain
Betrayed desires, and a piece of the game
Even though I know-I suppose I’ll show
All my cool and cold-like old job

Despite all my rage I am still just a rat in a cage
Despite all my rage I am still just a rat in a cage
Then someone will say what is lost can never be saved
Despite all my rage I am still just a rat in a cage

Now I’m naked, nothing but an animal
But can you fake it, for just one more show
And what do you want, I want to change
And what have you got
When you feel the same
Even though I know-I suppose I’ll show
All my cool and cold-like old job

Despite all my rage I am still just a rat in a cage
Despite all my rage I am still just a rat in a cage
Then someone will say what is lost can never be saved
Despite all my rage I am still just a rat in a cage

Tell me I’m the only one
Tell me there’s no other one
Jesus was the only son (yeah)
Tell me I’m the chosen one
Jesus was the only son for you

Despite all my rage I am still just a rat in a cage
Despite all my rage I am still just a rat in a cage
And someone will say what is lost can never be saved
Despite all my rage I am still just a rat in a cage

Despite all my rage I am still just a rat in a
Despite all my rage I am still just a rat in a
Despite all my rage I am still just a rat in a cage

Tell me I’m the only one
Tell me there’s no other one
Jesus was the only son for you

And I still believe that I cannot be saved
And I still believe that I cannot be saved
And I still believe that I cannot be saved
And I still believe that I cannot be saved

Este es un video del unico y el mejor Jimi Hendrix, tocando en vivo la canción por la cual se hizo famoso.
Realmente fue, es y sera el mejor guitarrista de la historia de la música.
Y que decir de esa letra que nos recuerda el poder que tienen las drogas y manera que pueden llegar a expandir nuestra persepción, y con esto no estoy diciendo que son buenas, pero gracias a ellas y al genio que tenia este hombre se logro una de las mejores composiciones de la música rock.

Purple Haze all in my brain
Lately things don’t seem the same
Acting funny but I don’t know why
Excuse me while i kiss the sky

Purple haze all around
don’t know if I’m coming up or down
am i happy or in misery
What ever it is that girl put a spell on me
HELP ME … HELP ME oh i don’t know

Oo, Ah. (4x)

Purple haze all in my eyes
don’t know if it’s day or night
you’ve got me blowin’,blowin’ my mind
is it tomorrow or just the end of time

who knows?
help me
Oh yeah
come on know
tell me
tell me
Can’t go on like this…

Estos dos videos son tan solo una pequeña probada de lo que nos va a ofrecer el nuevo juego de Guitar Hero, son realmente canciones excelentes, entres las que se encuentran Welcome to the Jungle de Guns ‘n Roses, Reptillia de The Strokes, Sabotage de los Beastie Boys, etcetera, para que les sigo diciendo mejor chequen los videos.

1967 fue un año fundamental, clave, no sólo para los Beatles sino para la historia del rock, para la música popular y para la cultura del mundo. Por ese entonces, John Lennon acababa de conocer a una persona que para bien y para mal jugaria más tarde un papel cardinal en su vida y en la carrera del grupo entero. Yoko Ono era una artista plástica que realizaba lo que hoy se conoce como instalaciones. Fue en una exposición suya en Londres, donde ella y el beatle se conocieron y se sintieron mutuamente atraidos.

En febrero de 1967 apareció un nuevo disco sencillo de los Beatles, el cual contenía dos composiciones extraordinarias: “Penny Lane” y “Strawberry Fields Forever”. La primera era una típica melodía de Paul McCartney, una canción alegre y simpática, con un gracioso arreglo de cuerdas, mientras que la segunda – debida a Lennon – resultaba mucho más compleja. Era un tema plenamente inscrito en la psicodelia, un viaje en si misma que habría de influir en tuda una generación hasta convertise en uno de los himnos del naciente Flower Power, del movimiento hippie, de quienes experimentaban con drogas como un camino -decían- para conocerse a si mismos. Ambos temas tenían en común sus letras surrealistas y el referirse a sitios de la ciudad de Liverpool. En realidad no podría decirse cuál de los dos era el lado A y cual el lado B del EP. Y es que ambas melodías son tan buenas que deben considerase como sendos lados A.
Por ese entonces, el cuarteto estaba trabajando intensamente en la grabación de su siguiente albúm. McCartney, había tenido la idea de producir un disco en el cual los Beatles jugaran a ser otro grupo al que llamó La Banda de Corazones Solitarios del Sargento Pimienta. Las canciones deberían estar relacionadas entre sí por un estilo más o menos característico. Para ellos había compuesto lo que hoy se conoce como “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” y Lennon escrbió “With a little help from my friends”. Había otra pieza de John Lennon, “For the Benefit of Mr. Kite” que encajaba perfectamente en aquella idea de la banda ficticia. Sin embargo, algo pasó con el plan de hacer un disco conceptual y finalmente no cuajó del todo.

El resto de las composiciones resultaron distintas y para mantener cierta cohesión, George Martin las unipo de moto ttal que al terminar una iniciaba otra. Sin embargo, como el propio John Lennon declararía, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band no fue, no es, un albúm conceptual, a pesar de que a lo largo de cuatro decadas muchos asi lo han catalogado. De hecho, es un trabajo que musical y estructuralmente se parece mucho a Revolver. Si en éste había una canción de corte hindú de George Harrison (“Love You To”) en aquien también (“Within You Without you”). Si en el primero había una pieza jugetona para ser interpretada por Ringo Starr (“Yellow Submarine”), en el segundo se encontraba su equivalente (“With a little help from my friends”).

Con todo, la presunta personalidad “conceptual” del Sgt. Pepper se l dio también el arte gráfico del álbum, con su famosa fotografía llena de personajes y colores, en la cual los “viejos” Beatles aparecían como neutras figuras de cera ataviadas con tristes trajes negros, mientras que los nuevos vestían ropas de colores en extremo vivos y hasta chillantes. Si la sencilla carátula de Revolver habia sido un austero dibujo blanco y negro de Klaus Voormann, aahora la dominante era la explosión de tonalidades, la exuberancia, el exceso de una psicodelia desbordada. Y un detalle más, este de tipo musical: el disco finalizaba como comenzaba. Justo antes de “A Day in the Life”, la Banda de Corazones Solitarios volvía a interpretar el tema inicial en un reprise que daba la impresión de cerrar el círculo… y el concepto. Sgt. Pepper’s Lonely Heart Club Band tuvo una repercusión inmediata al aparecer en junio de aquiel 1967. Su impacto a nivel mundial fue impresionante, tanto que puede hablarse de un antes y un después del Sargento Pimienta. Músicos como Brian Wilson de los Beach Boys o David Crosby y Roger McGuinn de los Byrds tuvieron que cambiar sus perspectivas artísticas, sus parámetros creativos y emprender nuevas rutas. Otros, como los Rolling Stones, decidieron producir un álbum equivalente -incluso en su portada- apenas meses después (Their Satanic Majesties Request). Pero la trascendencia del nuevo disco fue mucho más allá y traspaso fronteras físicas y culturales. De pronto, el rock llegaba a una especie de mayoría de edad y se convertia en un arte.

Tracklist:

1.-Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
2.-With a Little Help From My Friends
3.-Lucy in the Sky With Diamonds
4.-Getting Better
5.-Fixing a Hole
6.-She’s Leaving Home
7.-Being for the Benefit of Mr. Kite!
8.-Within You Without You
9.-When I’m Sixty-Four
10.-Lovely Rita
11.-Good Morning Good Morning
12.-Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (reprise)
13.-A Day in the Life

Y he aquí otra canción del “Slowhand”,esta es para los que no supieron cual era la del video anterior, y para los que si, pues disfruten de otro gran clásico de este genial guitarrista. Sin más que decir, solo pongan play para escuchar al gran Eric Clapton.

He aqui una de las mejores Canciones del Gran “Slowhand” con otro de los mejores guitarristas que hay actualmente Mark Knopfler, tocando una de las mejores canciones que Eric Clapton haya compuesto, la sentimental, Layla.

No es el mejor guitarrista de la historia del rock y mucho menos de la historia del blues. No posee las cualidades técnicas del un virtuoso y tampoco hace ostentación de su velocidad a la hora de atacar las cuerdas de su instrumento (casi siempre una Fender Straticaste). Sin embargo Eric Clapton posee ese don del cual muy pocos pueden presumir: el de la expresividad musical. La guitarra de Clapton habla, dice cosas, transmite sensaciones y sentimientos. Cuando alguien lo bautizó irónicamente como “Slowhand”, no hizo sino definir el estilo que a lo largo de los años iría depurando este músico británico, hasta convertirlo en un artista pleno. Porque uno lo ve y lo escucha tocar y parece que lo que él hace es la cosa más sencilla del mundo. Los dedos de su mano izquierda se deslizan por el brazo de la guitarra con una facilidad pasmosa, mientras los de la mano derecha sostienen la púa que da los toques melódicos, armónicos y rítmicos necesarios para convertir a una canción o al solo de la misma en un lenguaje que pareciera provenir del cielo. No en vano, al principio de su carrera, cuando aún tocaba con los Yardbirds, en los muros de Londres aparecían graffitis con la letenda “Clapton es Dios”. Sin embargo, tanta felicidad musical contrasta con la subrida existencia de este hombre, quien a lo largo de su vida ha pasado por cualquier cantidad de desgracias. Sólo así se explica, quizá que su sensibilidad esté tan cercana a la de los negros que hacen blues un canto de dolor y, en ocasiones, también de melancólica alegría. Yardbirds, Bluesbreakers, Cream, Blind Faith, Derek and the Dominos: nombres de bandas que han visto a Clapton como su epicentro, como su núcleo, como su ombligo. La carreara de este guitarrista único e incomparable es como una epopeya griega, pero tambíen como un drama shakespeareano. Podrá haber mejores ejecutantes que él, pero my pocos pueden jactarse de la mayor virtud de Eric Clapton: es un blanco -y para colmo inglés- que tiene el blues en la sangre.

Hay maneras de matar el ocio con los juegos de pareja en esos sábados por la noche que tienden a caer en el hastío. Se puede poner en practica desde el tradicional juego de póker de prendas hasta caer en el erotismo de la comida, como es el caso de poner jarabe de chocolate en alguna parte del cuerpo. He aqui una serie de opciones para que tu y tu pareja las lleven a la práctica.

- Juego de Fantasía.- El más viejo y el más conocido. Puedes encontrar entretenido los juegos de encuentros furtivos en algún bar o algún supermercado jugando a los amantes que recién se conocen. El jugar a algo supuestamente desconocido te ofrece muchas perspectivas con tu pareja, ya que estás creando alguna historia que no sabes cómo va a acabar. Por supuesto, todos los juegos que involucran una simulación de papeles o un intercambio resultan muy eróticos. Claro que antes tienes que montar todo el escenario, y tal vez conseguir las prendas necesarias. Varias tiendas de lencería tambien ofrecen cantidad de disfraces para cualquier tipo de fantasía. Hay infinidad de fantasías que puedes poner en practica, actuar e interpretar mejor que cualquier actor de peliculas eróticas; tal es el caso del sueño de la enfermera y el paciente, el doctor y la paciente, la profesora y el estudiante precoz, etc.

-Tenis Sexual.- A cualquier juego, ya sea de mesa o deporte, se le puede añadir un toque de sensualidad. Siempre es divertido encontrar algún juego en el que tú y tu conyuge sean igual de buenos. Obviamente, las apuestas está de por medio y el ganador es el que se va a llevar la mejor parte, además de imprimirle la mayor emoción.

- “Con una sola mano puedo”.- Intenta cosas diferentes o interesantes que ofrezcan algún grado de dificultad, como los clavados ( que también pueden tener cierta emoción sabiendo cómo y dónde), y que se enfoque a un solo rubro. Por ejemplo, puedes intentar hacer en una sola noche estimulacion con la manos sin necesidad de llegar a más.

Para nosotros es fácil excitarse – solo basta con ver a una mujer atractiva- Sin embargo para ellas depende de muchas cosas. Estas es solo una pequeña guia para tu placer y el Tuyo.

Ese Rostro: El cerebro de una mujer se queda en blanco para el orgasmo. Comienza la secuencia sosteniendo su cabeza sobre tu regazo y dándole masaje con los pulgares en el área de la cejas. ” La gente experimenta mucha tension en el rostro, y esto le ayuda a liberarla y volverse más percerptiva a la exitación”. Observa si sus labios se separan, cuando una persona esta excitada, relaja los músculos que mantienen la mandibula cerrada.

Ese Cuello: Roza con tus labios su garganta y su barbilla, la piel es más delgada en los lugares donde el cuerpo se flexiona. Los nervios y vasos sanguineos están más cerca de la superficie, por este motivo, este también es el punto donde debemos ponernos el perfume.

Esos Labios: Besar es tu examen de admisión al restro del cuerpo. Le indica que sabes ser sutil, sin importar en que parte del cuerpo estés. Además le ofreces un entremés hormonal, inundando su hipotálamo con olores y sabores repletos de feromonas. Lame suavemente su labio superior y aprietalo suavemente entre tus labios.

Sus Antebrazos: La parte interna de la muñeca es muy sensible a la temperatura. Haz la prueba lamiendo su muñeca y soplando con suavidad para crear una sensación refrescante. Cualquier área que tenga vello fino responde mejor a un toque casi inexistente. Solo tienes que estimular sus cabellos y harás que sienta escalofríos.

Esos Senos: Trata con respeto el tejido erógeno repleto de nervios en la parte superior e inferior del seno, antes de tocar el pezón. Tu tecnica debe ser tan suave que apenas hundas la piel. El pezón al igual que el clítoris, envía señales a las neuronas que inducen al orgasmo.Mientras más tiempo toques alrededor del pezón más intensa será la estimulación directa.

Las Corvas: Al principio, muchas mujeres sienten cosquillas en ese punto. Soló tienes que esperar. Primero tienes que trabajar las zonass erógenas. Cubre toda la parte posterior de la pierna, luego recorre el muslo y la pantorrilla con los dedos y acaricia la corva (parte trasera de la rodilla), utilizando tres dedos extendidos. Un Toque más firme puede eliminar la incipiente sensación de cosquilleo.

Esas Piernas: Investigadores descubrieron que el simple hecho de esperar que te toque inicia la actividad en los centros de planeación y motiviación cerebrales, algo crucial para la exitación. A las mujeres les gusta preguntarse “¿Que va a hacer despues?” Este pensamiento es crucial para la exitación psicológica y el orgasmo. Golpea con suavidad sus muslos en dirección a la vagina, pero aléjate antes de llegar a esta. Respira cerca de la vagina.

El disco or antonomasia de David Bowie, su obra mayor. ¿O es que se le ha sobrevalorado durante treinta y cinco años? Si en The Man Who Sold the World hubo intentos de hacer un disco conceptual, con the Rise & Fall Of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars esos intentos se cristalizaron de manera genial y prácticamente perfecta. La histori de una estrella de rock andrógina y de origen extraterrestre es el pretexto para llevarnos a lo largo de un viaje por las obsesiones, las fobias, las visiones y la posición crítica de Bowie acerca del mundo real extrapolado a la fantasía. Así los diversos temas van narrando una historia pero también una falacia: la del ambiente del rock a principios de los setenta, un rock que comenzaba a padecer de gigantismo e hipertrofia. Y si las letras son duras y ácidas, la música las viste de una exacta envoltura instrumental, cosa que resalta en todos y cada uno de los once temas que componen el álbum. Con un Mick Ronson en plenitud de forma y un Bowie inspirado y apasionado-apasionante, cortes como “Five Years”, “Lady Stardust”, Rock n’ Roll Suicide”, “Moonage Daydream”, ” Soul Love”, “Suffrage City” o “Ziggy Stardust” mueven, remueven y conmueven al escucha con una fuerza que lejos de diminuir se hace más fuerte con el paso del tiempo. Un disco futurista que aún tiene un enorme y largo futuro. ¿Un disco pretensioso? Si, pero que supera sus pretensiones. ¿Un disco sobrevalorado? No lo creo, pro definitivamente vale su peso en arte.

Los Temas

1.- Five Years – 4.43
2.- Soul Love – 3.33
3.- Moonage Daydream – 4.39
4.- Strarman – 4.13
5.- It Ain’t Easy – 2.57
6.- Lady Stardust – 3.21
7.- Star – 2.46
8.- Hang On To Yourself – 2.38
9.- Ziggy Stardust – 3.13
10.-Suffrage City – 3.25
11.- Rock n’ Roll Suicide – 2.58

El mayor golpe de timón en la historia de Metallica. El disco que les significó perder a miles de seguidores a cambio de ganar millones… de fanáticos y de dólares. “Metallica” es sin duda el álbum más polémico de la agrupación, su entrada a las grandes ligas del superestrellato y su salida (por expulsión y autoexpulsión) de las oscuras sendas del metal subterráneo. Intoxicado quizá por los excesos experimentales de …And Justice For All, el cuarteto optó por dar un giro radical y dirigirse a lo básico. Había que simplificar su música, escribir canciones más cortas; si eso les redituaba una mayor comercialidad, no hallaron razón para rehusarse. Así, Hetfield, Ulrich, Hammett y Newsted volvieron a correr otro riesgo, pero esta vez en sentido contrario al que corrieron con Ride the Lightning. De pronto, el factor melódico cobró una mayor importancia y asi surguieron composiciones más accesibles para el gran público. Sin perder su esencia metalera, conservando parte de su fuerza trashera pero dando evidentes concesiones, surguieron temas como “Enter Sandman”, “Sad But True”, “Wherever I May Roam” y sobre todo “Nothing Else Matters”, con las cuales escandalizaron a las buenas-malas conciencias de sus viejos seguidores, quienes los acusaron de traición de lesa metalidad. A la comercialidad de Metallica contribuyó sin duda el productor Bob Rock, quien dio al disco un sonido púlido, muy alejado de las “sucias” grabaciones de las cuatro obras anteriores del grupo. A pesar de la condena del sector más ortodoxo de los fanáticos de Metallica o tal vez por ello, este disco significó de una u otra manera una nueva provocación que influyó en el heavy metal y cambió la dirección del mismo – ¿para bien, para mal?- de manera irreversible.

El Tracklist:

1.- Enter Sandman – 5.29
2.- Sad But True – 5.24
3.- Holier Than Thou – 3.47
4.-The Unfurgiven – 6.26
5.-Wherever I May Roam – 6.42
6.-Don’t Tread On Me – 3.59
7.- Nothing Else Matters – 6.29
8.- Of Wolf and Man – 4.19
9.-The God that failed – 5.05
10.-My Friend Misery – 6.47
11.- The Struggle Within – 3.51

La obra maestra de Carlos Santana y apenas su segundo álbum. Una Mezcla perfecta de rock, blues, funk, jazz (ahí está, muy precente, la huella de Miles Davis) y ritmos afroantillanos. La ecléctica finura de Abraxas no tiene precedentes. Es una cumbre discográficade los años sesenta, un trabajo prácticamente perfecto. Si “Santana”, el larga duración anterior, contenía tres futuros temas clásicos (“Souls Sacrifice”, “Evil Ways” y “Jingo”), este opus número 2 ofrecía exactamente lo mismo con “Black Magic Woman” (composición de Peter Green, lider del primer Fleetwood Mac, el grupo que tocaba gran rock blues y no gran rock pop, como el segundo Fleetwood Mac) y su coda “Gypsy Queen”, “Oye cómo va” (original del enorme timbalista Tito Puente) y “Samba pa ti” ( una de las piezas más bellas jamás escritas por Carlos Santana). La diferencia entre ambos álbumes estriba en la calidad del resto del material, muy superior en el caso de Abraxas. Cortes tan suntuosos y sorprendentes, con grandez razgos jazzísticos, como “Incident at Neshabur” o “Singing Winds, Crying Beasts”, no dejan lugar a dudas, lo mismo que la magnífica y muy rocanrolera “Hope You’re Felling Better”. Por supuesto que más alla del alto nivel de los diversos cortes del disco está la guitarra de Autlán, sus riffs, sus licks, sus solos, sus construcciones perfectamente elaboradas, pero sobre todo su ardiente pasión, reflejada en cada nota que aquí interpreta.

El Tracklist

1. Singing Winds, Crying Beast
2. Black Magic Woman/Gypsy Queen
3. Oye cómo va
4. Incident At Neshabur
5. Se Acabó
6. Mother´s Daughter
7. Samba Pa Ti
8. Hope You’re Feeling Better
9. El Nicoya

 The Joshua Tree era el disco que U2 tenia que hacer, era la secuencia lógica tras lo logrado con “The Unforgettable Fire“. Como músicos, los cuatro habían madurado. Brian Eno y Daniel Lanois estaban discpuestos no sólo a hacer un disco exelente, sino a convertirlo en un éxito mundial. U2 ahora era una banda diferente. Había que darle secuencia al trabajo realizado hasta ese momento. La calidad que el grupo había sellado en sus anteriores discos se refleja en éste, así como la experiencia adquirida. Los temas “Bullet The Blue Sky”, “With Or With Out You” y “Where the Streets Have No Name” fueron mezcladas por Steve Lillywhite, quien tenía toda la confiana del grupo y de los productores para convertir  estas canciones en las más escuchadas de la banda hasta esos días. The Joshua Tree es la obra maestra de U2. La riqueza melódica de la guitarra de The Edge, el sentido rítmico de Clayton y Mullen, así como el nuevo lirismo de Bono hicieron la música del disco más asequible, como nunca lo habian hecho antes. La banda comenzó a mirar hacia fuera. Ya no les interesaba dominar el mercado británico. Ahora querían venderle a cada joven norteamericano lo que su país estaba haciendo en cuestion de politica exterior. The Joshua Tree fue, contradictoriamente, un disco exitoso en los Estados Unidos. Hasta antes de este álbum, U2 no había podido colocar un sencillo en el número uno de las listas norteamericanas de popularidad. “With Or Without You” saldó esa cuenta, seguida por “I Still Haven’t Faound What I’m Looking For”. U2 dedicó este disco a la memoria de Greg Caroll, amigo cercano de la banda, quien a principios de julio de 1986, a los veiniseis años, estrelló su motocicleta contra un auto en Dublín. Conmovido por el accidente, Bono escrbió en memoria de Caroll la letra de “One Tree Hill”. Al término de la gira la banda se encontraba en la cima, pero mantenerse allí costaría mucho trabajo. Van Morrison en su momento dijo que cuando estás arriba, cualquier camino que tomes te llevará forzosamente hacia abajo. La responsabilidad para U2 ahora era muy grande.

Los Tracks:

1. Where the streets have no name – 5:37
2. I still haven’t found what I’m Lookin For – 4:37
3. With Or Without You – 4:56
4. Bullet The Blue Sky – 4:32
5. Running To Stand Still – 4:18
6. Red Hill Mining Town – 4:52
7. In God´s Country – 2:57
8. Trip Through Your Wires – 3.32
9. One Tree Hill – 5:23
10. Exit -4:13
11. Mothers Of The Disappeared – 5:14

Desde un punto de vista meramente musical, existen dos visiones extremas acerca de Elvis Presley. La primera lo contempla como el verdadero padre del rock (sobran quienes lo llaman El Rey); como genio que logró conjuntar a la música negra con la blanca, al blues, el soul, el gospel y el rythm and blues con el country, el folk y la canción popular whitey; como una especie de visionario que supo amalgamar dos mundos que siempre habían sido opuestos e incluso enemigos, para lograr la fusión y con ello el entendimiento entre los jóvenes, sin importar razas, religiones o clases sociales. Esta visión idílica contrasta con la opuesta, la que ve al nativo de Tupelo, Missisippi, como un mero vehiculo de maniplulación, por medio del cual el sistema logró neutralizar la subversión sensual implícita en la música negra para blanquearla, edulcorarla, pasteurizarla y convertirla en una mercancía, en un objeto de consumo aceptable para la estrecha moralidad imperante en su tiempo.

A mi modo de ver, ambas perspectivas resultan muy relativas, con sus partes de verdad, con sus partes de mentira. es claro que Elvis Presley no puede ser considerado como el padre del rock (¿Alguien puede ostentar semejante titulo?) y que antes que él estaria gente como Chuck Berry, Little Richard o Joe Turner, pero tampoco se puede negar que su situación como joven blnanco que interpretaba extraordinariamente bien la música negra hizo que ésta fuese rápidamente aceptada por una juventud harta de convencionalismos y ansiosa de experiencias nuevas y excitantes -y qué mejor experiencia nueva y excitante a mediados de los cincuenta que el rock and roll.

Que Presley fue utilizado por la industria discográfica, por los medios de comunicación y por el sistema sociopolítico de su época, no cabe duda. Pero de ahi a acusarlo de pelele, hay una gran distancia. Si en algún momento sostuvo ideas conservadoras y hasta retardatarias, eso finalmente es parte del derecho y la libertad de todo individuo a pensar como se le pegue la gana, así no estemos de acuerdo con ello.

Elvis Presley es mucho más que un simple cantante. Es un ícono ambiguo, un símbolo ambvibalente: por un lado, el joven rebelde, ingenuo, bien intencionado y sensual que causó furor en el mundo; por otro lado, el adulto obeso y malhumorado que deboraba pan con mantequilla de cacahuate e infinidad de barbitúricos. Hay un Elvis floreciente y un Elvis decadente, pero al final ambos constituyen a una sola persona, cuya real contribucíon al mundo fueron las canciones que interpretó y la manera como lo hizo.

The Ramones es una de las bandas más sui generis de la historia del rock. Para muchos, el peculiar cuarteto de Queens es el verdadero fundador de la musica punk y sus integrantes fueron quienes mejor y de manera más intensa y extrema vivieron la actitud punketa, mucho antes de que ésta se convirtiera en moda y en pose. Johnny Ramone, Joey Ramone, Dee Dee Ramone, Tommy Ramone y los otros Ramones que pasaron por las filas del cuarteto (en especual Marky y C.J. Ramone) fabricaron, a golpe de velocidad musical y vértigo existencial, no sólo un estilo de escrbir e interpretar el rock, sino también un estilo de vivir y de ver la vida. Contradictorios, críticos, agudos, patanescos, divertidos, insoportables, desafiantes y en ocasiones tiernos, los Ramones dejaron una obra discográfica considerable por su cantidad y su calidad. Temas como “I wanna be Sedated”, “Now I Wanna Sniff Some Glue”, “You’re Gonna Kill That Girl”, Teenage Lobotomy”, “Outsider” o “Pshyco Therapy” reflejan las inquietudes, las dudas, los anhelos, las mañas, las perversiones – algunas divertidas, otras no tanto de un sector de la juventud norteamericana – y por ende de la juventud occidental de los años setenta, un sector generacional invadido por el desencanto posterios a la guerra de Vietnam y al fracaso de la iluse ideología hippie, propulsora de utopías que se convirtieron en infiernos. Lentes oscuros, cabello largo y peinado al estilo de Moe el de los Tres Chiflados, chamarras negras, playeras sin mangas, pantalones de mezclilla viejos y rotosm zapatos tenism una indumentaria que decía más que una declaración politica y representaba una reacción en contra del falso glamour del star system roquero. Nada más antiético de ese sistema lleno de estupidez y vacuidad que esa otra cara de la moneda que fueron los Ramones.

 Sólo era una cuestión de tiempo que alguien hiciera una película sobre la banda británica post-punk Joy Division, que logró un estatus casi mitológico desde que su líder Ian Curtis se suicidara hace 27 años.

Pero la edición de este año del Festival Internacional de Cine de Toronto presenta dos películas sobre la banda, el drama “Control” y el documental “Joy Division”.

Peter Hook, uno de los tres miembros supervivientes del grupo, dijo que ambas películas combinaban bien.

“Control es una versión fílmica y sólo pretende ser esto. Y en Joy Divison tienes a la gente contando la verdad, lo cual es fantástico”, dijo a Reuters en una entrevista.

Después de la muerte de Curtis en la víspera de la gira norteamericana del grupo, el bajista Hook y los otros miembros de la banda Bernard Sumner y Stephen Morris regresaron como New Order y consiguieron un éxito comercial considerable.

Pero Hook aseguró que la realización del documental impulsó a los integrantes del grupo a hablar sobre Joy Division y la muerte de Curtis a los 23 años.

“Nunca hablamos sobre ello. En realidad lo dejamos e ignoramos durante años y años y años”, declaró Hook.

Uno de los momentos emotivos de la película es una entrevista con Annik Honore, la novia belga de Curtis. El productor Tom Atencio pasó meses tratando de persuadirla para que hiciera la mayor cantidad de declaraciones públicas hasta la fecha.

Deborah Curtis, la viuda de Curtis, no sale ante la cámara, pero su presencia se siente con varios extractos de su autobiografía “Touching From a Distance” publicada en 1995. El director declaró que cambió de opinión después de verse muy implicada con “Control”.

“Control” es una película biográfica en blanco y negro y el debut como director del fotógrafo holandés Anton Corbijn.

El desconocido actor Sam Riley interpreta al complejo Curtis mientras lucha por combinar la vida familiar con las demandas de estar en una banda, la epilepsia y el enamorarse de otra mujer.

Joy Division es citada a menudo como inspiración para otras bandas y músicos, y más de 20 artistas han adaptado su canción más conocida “Love Will Tear Us Apart.”

Las dos películas sobre el grupo están entre varios filmes que se centran en la música en el festival de Toronto.

Entre ellas están “Across the Universe”, basada en las canciones de los Beatles y “I’m Not There,” donde Cate Blanchett, Richard Gere y otros cuatro actores interprentan al legendario cantante Bob Dylan.

En Sonic Youth se resume de una y muchas maneras la verdadera identidad de lo que podríamos llamar el rock alternativo. No usaré el absurdo nombre de indie que hoy ostentan tantas banditas comerciales, porque a fuerza de emplearse en exceso el terminajo acabó por perder cualquier significado congruente y sobre todo creíble. Lo mismo puede decirse de tantos grupos que presumen ser alternativos, sin que justifiquen el mote. No obstante, en el caso del cuarteto ( y en ocasiones quinteto) encabezado por Thorston Moore, Kim Gordon y Lee Ranaldo, su historia  es la mejor aliada de su autenticidad y aun cuando graban para una disquera transnacional, su propuesta sonora jamás ha sido traicionada y se mantiene incólune luego de casi veinticinco años de carrera y veinte discos grabados. Con una música que no da concesiones, con el feedback como elemento central del noise convertido en un de las bellas artes, con un extraño sentido melódico que algo tiene de naive, con letras inteligentes y con una actitud intransigente hacia las modalidades del mercado discográfico, Sonic Youth lleva un cuarto de siglo de ser congruente y su consistencia, desde su álbum homónimo de 1982 hasta el Rather Ripped de 2006, es sin duda alguna su mayor capital.

¿Alguna vez han dejado de existir los Who? Se supone que la leyende de este grupo nacido en 1964 terminó en 1982, cuatro años después de la muerte de su hiperactivo y delirante baterista Keith Moon. Fue en ese año que Pete Townshend, Roger Daltrey y John Entwistle anunciaron el din del cuarteto. Sin embargo, volverían a reunirse más de una vez, incluso despues de que el propio Entwistle falleciera en un hotel de Las Vegas, cuando estaban a punto de iniciar su gira norteamericana de 2002. Hoy sólo queda la mitad de la legendaria agrupación. Se fue la parte rítmica -y a la vez la más bizarra- de la banda, pero quedaron el cerebro y el corazón, Townshend y Daltrey.

¿Que significan los Who para el rock? ¿Cuál es su verdadera importancia? Aparte de ser los precursores de movimientos como el rock sinfonico, el punk y el rock ochentero, aparte de ser integrante de la influyente ola inglesa de los sesenta, aparte de su actitud salvajemente nihilista (fueron los primeros en destrozar sus instrumentos en escena algo que les copiarían desde Hendrix hasta Kurt Cobain), irónica (su sentido del humor sólo puede ser comparado con el de los Hermanos Marx) y políticamente incorectísima (recordemos a Townshed al propinar tremendo guitarrazo en la cabeza al lider hippie Abbie Hoffman en el festival de Woodstock o a Keith Moon al pasearse or las calles de Londres disfraado de oficial nazi), aparte de grabar algunos de los álbumes imprescindibles de la historia del rock (sobre todo el Who’s Next),apart de todo eso, The Who representa el lado más lúdico, inteligente, provocador y al mismo tiempo dulce y conmovedor del género que revolucionó a la cultura de la segunda mitad del siglo XX. Cuatro locos que se juntaron por algún extraño y afortunado capricho del destino, para dar luz a una de las más altas manifestaciones del arte musical de la centuria pasada. Una explosión incontrolable; un sonido inaprensible; un brazo que giraba con la fuerza de un aspa de molino; un micrófono que daba vueltas vertiginosas sobre nuestras cabezas; guitarras, amplificadores, tambores y platillos hechos pedazos; una voz que imploraba con desgarrada angustia: “See me, feel me, heal me”. Los hechizeros del pinball.

The Cure se presentará en vivo el la próxima emisión de los Premios MTV Latinoamérica, que se realizarán el 18 de octubre en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México.

La legendaria banda británica liderada por Robert Smith formará de esta manera de la lista de bandas en vivo que se presenten en la entrega de los MTV.

Los organizadores de los premios dicen estar muy entusiasmados con la posibilidad de que una banda con tanto renombre histórico se haga presente en el espectáculo.

La banda inglesa fundada a finales de los años 70 es considerada un icono para los seguidores del rock gótico, punk (solo por una cuestión cronologica) y dark. A través del tiempo sus integrantes fueron variando pero siempre de la mano de Robert Smith The Cure estuvo presente con éxitos en los 80, 90 y en estos inicios del siglo XXI.

Vigentes y reconocidos, no solo por sus fans sino también por muchos músicos que tuvieron en The Cure su banda de cabecera en la adolescencia, el grupo es hoy por hoy un verdadero mito viviente que se mantiene en total actualidad sin recurrir a la nostalgia de una gloria pasada y a la vez con todo el peso de la historia.

Producido por Martin Hannett, Unknown Pleasures es un disco muy velvetiano, con su seca exuberancia y su glamourosa durez. Las diez canciones que lo conforman no tienen desperdicio, todas son magníficas. Por su puesto, lo más notable es la voz de la leyenda humana en que se convirtió Ian Curtis, pero igualmente destacan los singularísimos bajeos de Peter Hook – una verdadera marca de fábrica de Joy Division-, la afilada guitarra de Bernard Sumner y la precisa batería de Stephen Morris.  El álbum abre con la sólo en apariencia protopopera – aunque provocadora y desesperada- “Disorder”, la cual da paso a la pausada intensidad de la extraordinaria “Day of the Lords”, muy cercana a la música dark. El  tercer corte es la escalofriante “Candidate”, con una guitarra como serrucho y Curtis con la voz voluntariamente fuera de tono al decir cosas como “I don’t know what made me/ what gave the right/ To mess with your values/ And Change wrong to right”. En cambio, “Insight” aparenta al menos un poco de serenidad en medio del más helado infierno, con su frase a manera de mantra: “I’m not afraid anymore”.

“New Dance Fades” es otra joya, con el bajo y la guitarra que crean una atmósfera enfermiza y a la vez luminosa; armonías descendentes que sirven como contrastante marco a la voz que va subiendo cada vez más en su exasperación. La controversial “She’s Lost Control” es como una danza macabra con un arreglo uy peculiar en la sección rítmica y un Ian Curtis que vocaliza como una especie de Jim Morrison en heroína. “Shadowplay” es posiblemente la mejor pieza de Unknown Pleasures, una coposicion asombrosa, contundente, con una letra terrible y tremenda (“I did everything, everything I wanted to/ I let them use you for their own  ends/ To the center of the city in the night, waiting for you”). Impresionante. La intensidad se mantiene en la parte final del plato con las espléndidad “Wilderness”, “Interzone” (muy cercana al punk y con un sonido rocanrolero contagiante y poderoso) y “I Remember Nothing” (densa, desiluminada, inquietante, hipnótica, envolvente, viciosa…. pero fascinante). 

Alguien dijo por ahí que Unknown Pleasures es la depresión compactada en un disco… y tiene toda la razón.

¿El grupo más representativo del rock de los ochenta? Posiblemente si, sobre todo si tomamos en cuenta que esa  tal vez la década más mediocre desde un punto de vista musical. Hay quienes aseuran que los Smiths fueron los Beatles de su epoca y que las canciones de Morrisey  de Marr son comparables a las de Lennon y McCartney. Me Rehuso a aeptar la comparación. Sencillamente no encuentro siquiera una semejanza entre ambas agrupaciones, entre ambos duetos de compositores. Pero no se trata aquí de equiparar sino de buscar la justa dimensión de la obra smithsoniana. Cierto es que el cuarteto de Manchester logró algo muy dificil en toda disciplina artística: crear un nuevo estilo y en el caso de la música, un sonido caracteristico y propio. Para ello resultaron básicos dos elementos: la forma de tocar la guitarra de Johnny Marr, sus inventivas figuras y caracteristicos arpegios, y, muy destacadamente, la voz de Morrisey y su manera irregular y manierista de cantar. Todo ello se conjuntó, por su puesto, con su modo de escribir canciones, vistas éstas como un todo que conjunta la música con la letra. Música fina, letras llenas de poesía y crítico sarcasmo hicieron de las composiciones de los Smiths un algo muy diferente a lo que se había escuchado hasta entonces y resultaron una contribución muy importante para el rock en lo particular y para la música pop en lo general. Es una lástima que la banda haya durado tan poco tiempo. Cuatro álbumes en cuatro años parecen pocos, aunque cualitativamente sea mucho, sobre todo por obras como Meat is Murder y The Queen is Dead, grandes clásicos de la historia del género. Valorar a The Smiths en su justa dimensión es muy necesario, pero más lo es disfrutar de su música sin prejuicios y con los oídos y la mente muy abiertos.

Este 11 de septiembre saldra a la venta el nuevo Cd de Belanova, con el titulo de Fantasia Pop, esta es su cuarta produccion discografica y tendra como primer sencillo la canción “Baila mi Corazón”.

 Contara con con 11 canciones y a diferencia de los albums anteriores que eran más dance y electronico, este mayor presencia de guitarra.

Grabado la produccion de Cachorro Lopez quien ha trabajado en los discos más recientes de Julieta Venegas y Andrés Calamaro. Fue grabado en su estudio, Mondo Mix, en Buenos Aires, Argentina. Contiene once tracks llenos de los ritmos que nos tienen acostumbrados, pero en esta ocasión refleja la madurez musical que han alcanzado a lo largo de las giras que los han llevado a recorrer casi todo el continente. El disco tendra una colabroacion con Fito Paez en la cancion “Toma mi mano”.

Actualmente ya se encuentra en rotación el primer sencillo promocional, se trata del track número uno del álbum, denominado “Baila Mi Corazón” el cual rápidamente se ha posicionado en los primeros lugares de los medios especializados.

Si quieres escuchar un adelanto pulsa aquí.

Aqui un poco del making off del video “Baila mi Corazón”

¿Pertenecía Jimi Hendrix al planeta Tierra? Seguramente él mismo se sentia extraterrestre o cuando menos un ser dotado de poderes paranormales. Después de todo, era un fanático de la literatura de ficción científica (Borges dixit) y, por ende, podría haber creído firmemente en sus capacidades más allá de este mundo. Lo cierto es que como guitarrista en particular y como músico en general, Hendriz sí parecía un ente absolutamente por encima del promedio de los seres humanos. Su capacidad como autor, ejecutante y arreglista resultaba avanzadísima para su tiempo. Aun hoy en día, al escuchar sus discos, uno no puede más que concluir que el tipo no sólo estaba varios pasos por delante de la música de su época (basicamente la segunda mitad de los sesenta), sino que lo sigue estando con respecto a la que se hace en la actualidad. A casi treinta y siete años de su muerte, Jimi Hendrix continúa siendo un vanguardista. nos encontramos frente a un creador musical en la misma línea revolucionaria de un Robert Johnson en el blues o un Miles Davids en el jazz. Su enorme aportación – desde que creó “Purple Haze” en 1966 (tema en el cual se resume gran parte de lo que sería el rock y varios de sus géneros a partir de entonces), hasta que grabó “Belly button Window” en 1970 (durante su última incursión en su estudio) – cambió de manera radical las formas y los fondos del arte músical del sigo XX e influyó no sólo en el rock sino también en el jazz, el soul, el rhythm n’ blues, la electrónica y hasta la música culta. Es dificil saber qué tan consciente era Hendrix de su propia trascendencia. Me inclino a pensar que al menos no lo tenía tan claro como lo vemos hoy, con la perspectiva que nos da el tiempo transcurrido. Quizás haya sido lo mejor, porque de esa forma no perdió el piso – en una década tan proclive a los mesianimos – y pudo trabajar en lo suyo: la creación de nuevas coordenadas musicales y la experimentación con la guitarra eléctrica, a la cual llevó a dimensiones fantásticas con los escasos recursos tecnológicos con que contaba. Muchos se siguen haciendo la pregunta de hasta dónde habría llegado Hendrix si no hubiera fallecido tan prematuramente. Es una interrogante imposible de responder, debido a su genio imprevisible y desbordado. No queda entonces más que consolarse con la escucha de su vasta obra discográfica (la mayor parte aparecida después de su muerte), pero sobre todo con la de sus tres primeros álbums en estudio, discos que constituyen un lugar donde se encuentran concentrados todos los poderes extraterrenos de este músico sin par.

Swenny Todd: El el barbero demonio de la calle Fleet o Sweene Todd: The Demon Barber of Fleet Street en su título en inglés es el nuevo film de Tim Burton.

De nuevo con la actuación de Johnny Depp(Ed Wood, Pirates of the Caribbean), lo cual no es algo nuevo en estos días, Tim Burton hace la adaptacion a la gran pantalla del thriller musical  “Sweeny Todd”, originalmente creado por Stephen Sondheim, mismo que gano un premio por dicho musical.

Depp intepreta, en el rol principal, a un hombre que fue enviado a pricion injustamente y que ahora busca venganza, no solo por este cruel castigo, sino también por las devastantes consequencias que trajo esto para su esposa y su hija.

Cuando el regresa a reabrir su barberia, Sweeny Todd se vuelve el Barbero Demonio de Fleet Street quien “afeita las cabezas de caballeros de que nunca se volvio a escuchar de ellos  despues de eso”. Junto a Deep esta Helena Bonham Carter(Corpse Bide) como Mrs. Lovett, complice amoroso de Sweeney Todd, quien crea diabolicos pays de carne. El reparto tambien incluye a Alan Rickman (Harry Potter and the Order of the Fenix), quien interpreta al malvado Juez Turpin, quien envia a Sweeney a prisión y Timothy Spall (Harry Potter and the Goblet of Fire) ,como el extraño asociado del Juez, Beadle Bamford y a Sacha Baron Cohen(Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan), como el barbero rival de Sweeney, el ostentoso Signor Adolfo Pirelli.

Estoy seguro de que esta sera una excelente película, como a las que ya nos tienen acostumbrado tanto Tim Burton como Johnny Depp, lastima que todavia habra que esperar hasta Navidad para poder verla, y esto solo sera en Estados Unidos por el momento, ya que no esta anunciado si sera un estreno mundial.

Mientras tanto estas son algunas fotografías de la pelicula

¿Qué fue primero, la imagen o la música? En el caso de David Bowie es posible que ambas cosas hayan sucedido al mismo tiempo y en el mismo nivel de importancia. Porque las transformaciones musicales de este singular artista (y digo artista en la exacta acepción de la palabra) han ido siempre aparejadas con sus cambios de apariencia, los cuales muchas veces han adquirido el grado de personajes perfectamente definidos y diferenciados de su propio creador. Algunos de ellos fueron tan fuertes, no sólo en su estética sino incluso en sus rasgos interiores, que Bowie llegó a estar literalmente poseído por ellos y el caso de Ziggy Stardust es muy revelador y sintomático al respecto. Esta especie de esquizofrenia artística ha definido buena parte de la carrera del autor de “Space Oddity” y le ha permitido desarrollarse como uno de los compositores e intérpretes más originales e importantes en la historia del rock. Desde sus inicios musicales a mediados de los años sesenta hasta su más reciente disco,aparecido apenas hace cuatro años, Bowie ha sabido reinventarse de manera constante; tal vez no siempre de la mejor manera, pero cada vez con una intención propositiva y revolucionaria, incluso cuando revisa su pasado. Retador y desafiante, convuslivo y compulsivo, enemigo de los convencionalismos pero al mismo tiempo elegante y sibarita, su eclecticismo le ha permitido trabajar dentro de los más diversos generos y mantenerse todo el tiempo no sólo dentro de la vanguardia sino marcando en infinidad de ocasiones la dirección a seguir de dicha vanguardia. Pocos como él para sobrevivir a las tormentas que suele desatar el llamado súper estrellato del rock y llegar a los sesenta años de edad en medio de una plenitud admirable y una visión de las cosas tan serena como lo reflejan las obras discográficas que ha producido en estos primeros años del nuevo siglo. La historia de David Bowie es la historia no de un alienígena, sino de un ser humano excepcional en sus virtudes y sus defectos. De un genio, pues.

Una de mis canciones favoritas de uno de mis grupos favoritos! Mötley Crüe!!!

When I get high
I get high on speed
Top fuel funny car’s
A drug for me
My heart, my heart
Kickstart my heart
Always got the cops
Coming after me
Custom built bike doing 103
My heart, my heart
Kickstart my heart

Ooh, are you ready girls?
Ooh, are you ready now?
Whoa!, yeah!
Kickstart my heart
Give it a start
Whoa! yeah! Baby
Whoa!, yeah!
Kickstart my heart
Hope it never stops
Whoa! yeah! Baby yeah!

Skydive naked
From an aeroplane
Or a lady with a
Body from outerspace
My heart, my heart
Kickstart my heart
Say I got trouble
Trouble in my eyes
I’m just looking for Another good time
My heart, my heart
Kickstart my heart

YAH, are you ready girls?
YAH, are you ready now?
Whoa! yeah!
Kickstart my heart
Give it a start
Whoa! yeah! Baby

Whoa! yeah!
Kickstart my heart
Hope it never stops
Whoa! yeah! baby

oooh kickstart my heart
When we started this band
All we needed, needed was a laugh
Years gone by…I’d say we’ve kicked some ass
When I’m enraged
Or hittin’ the stage
Adrenaline rushing
Through my veins
And I’d say we’re still kickin’ ass

Ooo, ahh, kickstart my heart
Hope it never stops
And to think, we did all of this…
To rock

Whoa! yeah!
Kickstart my heart
Give it a start
Whoa! yeah!
ba-ba-ba-ba-ba baby!

Whoa! yeah!
Kickstart my heart
Hope it never stops
Whoa! yeah! baby!

Whoa! yeah!
Kickstart my heart
Hope it never stops
Whoa! yeah! baby!

Whoa! yeah!
Kickstart my heart
Give it a start
Whoa! yeah!
Ok boys lets rock the house!

Simplemente una de las mejores canciones de Depeche Mode, aunque tal vez es una de las menos valoradas

Strangelove

Strange highs and strange lows
Strangelove
That’s how my love goes
Strangelove
Will you give it to me
Will you take the pain
I will give to you
Again and again
And will you return it

There’ll be times
When my crimes
Will seem almost unforgivable
I give in to sin
Because you have to make this life liveable
But when you think I’ve had enough
From your sea of love
I’ll take more than another riverfull
Yes, and I’ll make it all worthwhile
I’ll make your heart smile

Strangelove
Strange highs and strange lows
Strangelove
That’s how my love goes
Strangelove
Will you give it to me
Will you take the pain
I will give to you
Again and again
And will you return it

There’ll be days
When I’ll stray
I may appear to be
Constantly out of reach
I give in to sin
Because I like to practise what I preach
I’m not trying to say
I’ll have it all my way
I’m always willing to learn
When you’ve got something to teach
And I’ll make it all worthwhile
I’ll make your heart smile

Pain will you return it
I’ll say it again – pain
Pain will you return it
I’ll say it again – pain
Pain will you return it
I’ll say it again – pain
Pain will you return it
I won’t say it again

Strangelove
Strange highs and strange lows
Strangelove
That’s how my love goes
Strangelove
Will you give it to me

A trece años de su trágica muerte, la figura de Kurt Cobain no sólo sigue estando presente sino que cada vez alcanza una mayor estatura mítica. La leyenda del de Aberdeen, Washington, cerece con el tiempo y la realidad se entremezcla con la fantasía para convertirlo en una especie de personalidad santificada en el ánimo de sus seguidores. Habría que situarlo en su justa dimensión humana para mejor apreciar su biografía y, sobre todo, su obra como compositor e intérprete. Es en este ultimo aspecto que nos interesa aqui mirarlo: como el artista sensible, el creador atormentado y talentoso, el hombre contradictorio y dueño de una actitud crítica y pesimista de la existencia y de su entorno, el integrante de una banda – Nirvana – que destacó por su música viseral, en ocasiones violenta, en ocasiones agridulce y hasta conmovedora y tierna. Cobain no fue capaz de soportar las presiones de una vida difícil y sucumbió ante el poder mortal de la fama mal manejada, de la depresión, de la heroína y de las balas de una escopeta. Falleció a los veintisiete años, la temprana edad que marcó la muerte de otros músicos tanto o más legendarios, como Robert Johnson, como Jim Morrison, como  Jimi Hendrix, como Brian Jones, como Janis Joplin. Esto aumentó el aura de su mito y lo convirtió en lo que seguramente él menos hubiera querido ser: un efigie venerada hasta el exceso. Rescatemos a Kurt Cobain de la sacralización, de ese áureo pedestal que nos impide mirarlo en lo que fue su realidad. Soló así podremos apreciar su verdadero valor como músico y como persona.

Más de un año de espera, Steve Jobs mostró lo que para muchos era el gadget más aclamado del año, este nuevo modelo iPod tiene un diseño, tamaño y medidas similares al iPhone, incluso la misma interfaz táctil, por lo que tendrás que deslizar tu dedo por la pantalla para desbloquearlo y acomodarlo para ver videos decentemente. Una pantalla de 3.5” en formato widescreen, ideal para mover tus fotos. Cómo nueva tecnología se incluye Wi-Fi para poder entrar a YouTube y comprar canciones desde el nuevo sitio iTunes. La vida de su batería es de 22 horas de audio, 5 horas de video y poco menos mientras navegas desde el Safari. El nuevo iPod Touch viene con 8GB y 16GB a un precio de 299 dólares y 399 dólares respectivamente y estará disponible a nivel mundial durante las próximas semanas.

Al menos ése es el rumor que se está expandiendo en el mundo de los “gamers”: la GamePro Expo, un evento respaldado por la Entertainment Software Association, tomará el lugar ocupado por el E3. Recordemos que a principios de año, el ESA, en cargado del viejo E3, anunció el virtual colapso del evento y su “reforma” hacia el E3 Media and business summit, que estaría mucho más enfocada a los negocios y que ya no sería masivo, sino dirigido a pequeños grupos. El nuevo show, que tambíen se llevará a cabo en Los Angeles y detrás del cual está International Data Group – el grupo editorial de la revista GamePro y el MacWorld – espera un número de visitantes inicial de 30,000 personas, y aumentando… la mitad de los sesenta mil que tuvo este año el E3. Si todo sigue según los planes, el GamePro Expo se realizará el 18, 19 y 20 de octubre del 2007 en el L.A. ConventionCenter.

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Una vez que estas pilas se descargen, sólo tendrás que conectarlas a tu computadora en uno de los puertos USB y esperar a que se recarguen. Incluso, funcionan con los del Xbox 360, en caso de que quieras cargar las pilas de tu control.

No son precisamente las pilas más baratas del mercado ya que cuestan $26 dólares el par.

Para los afortunado que tienen un Nintendo Wii – y lo digo no por haber alcanzado uno, sino porque tienen el dinero para pagar los manchadisimos precios de los distribuidores en México- San Disk sacó una tarjeta SD blanca, que no desentona de la carcaza de la conzola. Cierto, no cualquier tarjeta SD puede funcionar como memoria para la consola de Nintendo, pero ¿por que no tenerla en blanca? Permite descagar y almacenar los juegos, guardar avances y llevar fotos digitales. Ojo funciona como cualquier tarjeta SD.

Ya esta a la venta en Estados Unidos a un precio de $90 dólares.

  Este octubre esta marcado por la llegada de los dos nuevos lanzamientos de Bob Dylan: Dylan, una retrospectiva sobre su carrera y el DVD: The other side of the mirror.

Dylan cuenta con las cuatro decadas de grabaciones de estudio del artista y sirve como una introduccion para los nuevos fans y una expansiva vista para los devotos de Dylan.

Dylan sera lanzado en tres formatos:

• Un Cd con 18 canciones
• Un set de tres cd’s con 51 canciones
• Un boxset edicion limitada

El boxset edicion limitada esta empaquetado en una caja color rojo e incluye todas las 51 canciones  del set de 3 cd’s,  el diseño de los cd’s esta hecho para que pareza una replica de vinyls en sus propios estuches. Tambien incluye 10 postales edicion limitadas y un booklet de 40 paginas.

Aunque una y mil veces los integrantes de Radiohead han abjurado de este, el tema que los dio a conocer al mundo; aunque se trate en apariencia de una composición menor, si se le compara con las que el grupo escribió durante los siguientes once años; aunque sea una canción despreciada por sus propios padres, “Creep” marcó, señaló, y definió a toda una generación de jovenes en el planeta, en especial la de aquellos nacidos a lo largo de los setenta.

Compuesta en 1992, apareció inicial en el EP homónimo, con un tiraje de escasos seis mil ejemplares. La melodia pasó desapercibida, hasta que fue recogida por algunas estaciones de la radio norteamericana y de inmediato su fama empezó a extenderse, debido a la letra depresiva y a su austero y explosivo arreglo musical, ambos factores muy en concordia con el movimiento grunge. Al año siguiente formo parte de Pablo Honey, el disco debut de Radiohead.

A pesar de su calidad actual de clásico, “Creep” es una canción que duro más de un año antes de entrar a las listas de popularidad. Thom Yorke la escrbio a la mitad de un genuino trauma por abandono amoroso. Y añade “Cuando la compuse, me encontraba realmente en medio de una muy seria obsesión que duró 8 meses y que resultó un fracaso, lo cual hizo todo aún peor. Ella sabe quien es”.

Cuando conocieron el tema, los otros miembros de Radiohead decidieron incluirlo en el repertorio de la banda, pero sin percatarse de su potencial. “Para nosotros era una pieza más”, declaró poco después el baterista Phil Selway, quien explicaría que “Creep” fue grabada un día en que la tocaban en el estudio, pero sin saber que estaba siendo llevada a las cintas. “La razón por la cual suena tan poderosa es esa: por que la grabamos en una total y absoluta inconsciencia.”

¿Que fue lo que llevó a “Creep” a otra dimensión? Seguramente su momento cumbre: el instante en que Jonny Greenwood introduce como por sorpresa, en forma escalofriantemente inesperada, a manera de estridente crujido, el ruido restallante de su guitarra. ¿Fue una idea preconcebida, calculada? Todo parece indicar que no. Según el segundo guitarrista, Ed O’Brien, se trató en realidad de algo accidental. “Lo que se escucha es el sonido de Jonny Tratando de chingar la canción”, contó entre risas a la revista Select. “Como a él no le gustó la primera vez que la tocamos, quiso echarla a perder con el ruido de su guitarra… y eso fue lo que hizo la diferencia”.

When you were here before
Couldn’t look you in the eye
You’re just like an angel
Your skin makes me cry

You float like a feather
In a beautiful world
I wish I was special
You’re so fucking special

But I’m a creep
I’m a weirdo
What the hell am I doing here?
I don’t belong here

I don’t care if it hurts
I want to have control
I want a perfect body
I want a perfect soul

I want you to notice
When I’m not around
You’re so fucking special
I wish I was special

But I’m a creep
I’m a weirdo
What the hell am I doing here?
I don’t belong here

She’s running out the door
She’s running out, she run, run, run, run, run

Whatever makes you happy
Whatever you want
You’re so fucking special
I wish I was special

But I’m a creep
I’m a weirdo
What the hell am I doing here?
I don’t belong here
I don’t belong here

Samsung BD – P1000

Este es uno de los primeros modelos que llegan a México de reproductor de peliculas de

de alta definicón: Blu-Ray. Adicionalmente, tiene un sintonizador de HDTV integrado.

Reproduce películas en Blu-Ray a 1080p (1920 x 1080p, que es mayor que 1080i)

y viene con el cable HDMI, que si lo encuentras cuesta como $800 pesos.

Cuanto Cuesta

Ya está a la venta en México en tiendas departamentales por un precio estimado de $ 15,300 pesos.

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Pocas agrupaciones de tan verdadero culto como Joy Division, esa banda inasiable capitaneada por el hiper depresivo y suicida Ian Curtis, personaje trágico de una época fallida y difícil del siglo pasado, sin embargo, no es la leyenda negra lo que hace grande la leyenda de Joy Division sus composiciones, su música austera, seca, descomplicada pero a la vez misteriosa, inquietante, provocatica y sus letras de profunda poesía romantica, en el más correcto y literario de los sentidos del termino. Luego de escuchar a Joy Division, bandas tan calificadas e intachables como The Cure suenan tan ligeras como, Celine Dion; eso para no hablar de sus clones, desde Interpol hasta She Wants Revenge, los cuales parecerian ser tan solo una mala broma del destino. Honestidad, autenticidad, sinceridad, tres palabras que definen a la perfección la naturaleza de estos cuatro músicos de Manchester, quienes vivieron a fondo la época del llamado Post Punk, a finales de los años setenta, por la crisis económica y moral de occidente, época marcada por negras y muy poco prometedoas perspectivas de la vida en un mundo que vivia la peor de las políticas recesionistas promovidas -en el caso de Reino Unido- por la temible primera ministra Margaret Thatcher, quien iniciaria su mandato en 1979, justo el mismo año en el cual Ian Curtis, Peter Hook, Bernard Sumner y Stephen Morris grababan su primer disco. Con tan sólo un par de álbumes en estudio, los fenomenales Unknown Pleasures y Closer, Joy Division contribuyó mucho más al enriquecimiento artístico del rock que miles de bandas con una enorme producción discográfica que no pasaron a la historia. Porque su música, como dijo alguien por ahí, es realmente importante, realmente vital, imposible de ser ignorada o de resistirse a ella. Nunca sabremos qué es lo que nos hubiera dado Joy Division de haber seguido adelante. No obstante, con esos dos discos fue más que suficiente. Ian curtis tomó la decision de partir y no hay remedio asi es la vida….. Y asi es la muerte.

Los detalles del OST de Control han sido relevados. El album que esta programado para salir el Primero de Octubre,incluye tres totalmente nuevas canciones de New Order, un cover de Transmission por el reparto ( se presume que son los actores que interpretan a Joy Division) y un cover de Shadowplay por The Killers.

Las nuevas canciones de New Order tienen el titulo de ‘Exit’, ‘Get Out’ y ‘Hypnosis’. Seria cìnico especular que Bernard escribio estas para Hooky.

Lista completa de los tracks:

1) Exit – New Order
2) What Goes On – The Velvet Underground
3) Shadowplay (Joy Division cover) – The Killers
4) Boredom (Live) – The Buzzcocks
5) Dead Souls – Joy Division
6) She Was Naked – Supersister
7) Sister Midnight – Iggy Pop
Love Will Tear Us Apart – Joy Division
9) Problems (Live) – Sex Pistols
10) Hypnosis – New Order
11) Drive In Saturday – David Bowie
12) Evidently Chickentown – John Cooper Clarke
13) 2H.B. – Roxy Music
14) Transmission (Cast Version) – Joy Division
15) Autobahn – Kraftwerk
16) Atmosphere – Joy Division
17) Warszawa – David Bowie
18) Get Out – New Order

Las tres nuevas canciones de New Order son los tracks instrumentales usados en el ultimo tercio de la pelicula. Estas consisten en las lineas de bajo que son un sello en Hooky,algunos tamborazos de Morris, y Sumner tocando lo que suena como una flauta en un mellotron -no en el particular estilo de Joy Division, como se tenia previamente aununciado.

A manera de anunciar la proxima visita de The Cure en México este 20 y 21 de octubre, me he tomado la libertad de mostrar el que para mi seria la obra maestra de The Cure, “Disintegration”.

Considerado por la critica como uno de los mejores discos de la cura, Disintegration es un disco prácticamente perfecto, sin fisuras, la sintesis de todo lo que el grupo haía experimentado, en lo musical y en lo letrístico. Smith, Gallup, Tolhurst, Williams,Thompson y O’Donnell, el nuevo tecladista, jamás sonaron tan integrados, tan compactos y a la vez tan frescos. Al mismo tiempo un rompimiento y un seguimiento respecto a su antecesor, Disintegration es un trabajo mucho más profundo e introspectivo, menos cargado a las explosiones optimistas, y más inclinado a la oscura anguistoa que permeó a otros álbumes del en ese entonces sexteto. Hay aquí temas memorables. desde la evocativa y conmovedora “Pictures of You” que en algo recuerda a Velvet Revolver por su manejo minimalista de dos acordes cuya letra tiende hacia el romanticismo gótico verdaderamente bello, hasta esas dos maravillas de los siniestro que son “Lullaby” y “Fascination Street”. La primera, un canto sensual y pesadillezco, lleno de sadomasoquismo arácnido; la segunda, una tonada persistente hasta la exasperacion y acongojante hasta la agonía. sin embargo, hay otras grandes composiciones como esa hermosura que es “Lovesong”, relativamente la única pieza iluminada y tal vez la unica con una tonada alegre Disintegration; o las tristísimas “Prayers for Rain” y “The Same Deep Water as You”, verdaderos cantos a la desesperación; o esa letanía penumbrosa que es “Disintegration”; o ese final melancólico que es “Untitled”. No deja de ser paradójico que el disco más exitoso ( que no el más comercial) de The Cure sea una obra tan pesimista y neblinosa.

Los Temas

1. Plainsong – 5:12

2. Pictures of You – 7.24

3. Closedown- 4.16

4. Lovesong – 3.28

5. Lullaby – 4.08

6. Fascination Street – 5:16

7. Prayers for Rain – 6:04

8. The Same Deep water as You – 9.18

9. Disintegration – 8.18

10. Untitled – 6:30