Elvis Presley – El Gigante de Tupelo, 30 años de su muerte

Desde un punto de vista meramente musical, existen dos visiones extremas acerca de Elvis Presley. La primera lo contempla como el verdadero padre del rock (sobran quienes lo llaman El Rey); como genio que logró conjuntar a la música negra con la blanca, al blues, el soul, el gospel y el rythm and blues con el country, el folk y la canción popular whitey; como una especie de visionario que supo amalgamar dos mundos que siempre habían sido opuestos e incluso enemigos, para lograr la fusión y con ello el entendimiento entre los jóvenes, sin importar razas, religiones o clases sociales. Esta visión idílica contrasta con la opuesta, la que ve al nativo de Tupelo, Missisippi, como un mero vehiculo de maniplulación, por medio del cual el sistema logró neutralizar la subversión sensual implícita en la música negra para blanquearla, edulcorarla, pasteurizarla y convertirla en una mercancía, en un objeto de consumo aceptable para la estrecha moralidad imperante en su tiempo.

A mi modo de ver, ambas perspectivas resultan muy relativas, con sus partes de verdad, con sus partes de mentira. es claro que Elvis Presley no puede ser considerado como el padre del rock (¿Alguien puede ostentar semejante titulo?) y que antes que él estaria gente como Chuck Berry, Little Richard o Joe Turner, pero tampoco se puede negar que su situación como joven blnanco que interpretaba extraordinariamente bien la música negra hizo que ésta fuese rápidamente aceptada por una juventud harta de convencionalismos y ansiosa de experiencias nuevas y excitantes -y qué mejor experiencia nueva y excitante a mediados de los cincuenta que el rock and roll.

Que Presley fue utilizado por la industria discográfica, por los medios de comunicación y por el sistema sociopolítico de su época, no cabe duda. Pero de ahi a acusarlo de pelele, hay una gran distancia. Si en algún momento sostuvo ideas conservadoras y hasta retardatarias, eso finalmente es parte del derecho y la libertad de todo individuo a pensar como se le pegue la gana, así no estemos de acuerdo con ello.

Elvis Presley es mucho más que un simple cantante. Es un ícono ambiguo, un símbolo ambvibalente: por un lado, el joven rebelde, ingenuo, bien intencionado y sensual que causó furor en el mundo; por otro lado, el adulto obeso y malhumorado que deboraba pan con mantequilla de cacahuate e infinidad de barbitúricos. Hay un Elvis floreciente y un Elvis decadente, pero al final ambos constituyen a una sola persona, cuya real contribucíon al mundo fueron las canciones que interpretó y la manera como lo hizo.

The Ramones – El fin del “sueño americano” y el inicio del Punk

  

The Ramones es una de las bandas más sui generis de la historia del rock. Para muchos, el peculiar cuarteto de Queens es el verdadero fundador de la musica punk y sus integrantes fueron quienes mejor y de manera más intensa y extrema vivieron la actitud punketa, mucho antes de que ésta se convirtiera en moda y en pose. Johnny Ramone, Joey Ramone, Dee Dee Ramone, Tommy Ramone y los otros Ramones que pasaron por las filas del cuarteto (en especual Marky y C.J. Ramone) fabricaron, a golpe de velocidad musical y vértigo existencial, no sólo un estilo de escrbir e interpretar el rock, sino también un estilo de vivir y de ver la vida. Contradictorios, críticos, agudos, patanescos, divertidos, insoportables, desafiantes y en ocasiones tiernos, los Ramones dejaron una obra discográfica considerable por su cantidad y su calidad. Temas como “I wanna be Sedated”, “Now I Wanna Sniff Some Glue”, “You’re Gonna Kill That Girl”, Teenage Lobotomy”, “Outsider” o “Pshyco Therapy” reflejan las inquietudes, las dudas, los anhelos, las mañas, las perversiones – algunas divertidas, otras no tanto de un sector de la juventud norteamericana – y por ende de la juventud occidental de los años setenta, un sector generacional invadido por el desencanto posterios a la guerra de Vietnam y al fracaso de la iluse ideología hippie, propulsora de utopías que se convirtieron en infiernos. Lentes oscuros, cabello largo y peinado al estilo de Moe el de los Tres Chiflados, chamarras negras, playeras sin mangas, pantalones de mezclilla viejos y rotosm zapatos tenism una indumentaria que decía más que una declaración politica y representaba una reacción en contra del falso glamour del star system roquero. Nada más antiético de ese sistema lleno de estupidez y vacuidad que esa otra cara de la moneda que fueron los Ramones.

El festival de Toronto presenta 2 películas sobre Joy Division

 

 Sólo era una cuestión de tiempo que alguien hiciera una película sobre la banda británica post-punk Joy Division, que logró un estatus casi mitológico desde que su líder Ian Curtis se suicidara hace 27 años.

 

Pero la edición de este año del Festival Internacional de Cine de Toronto presenta dos películas sobre la banda, el drama “Control” y el documental “Joy Division”.

 

Peter Hook, uno de los tres miembros supervivientes del grupo, dijo que ambas películas combinaban bien.

 

“Control es una versión fílmica y sólo pretende ser esto. Y en Joy Divison tienes a la gente contando la verdad, lo cual es fantástico”, dijo a Reuters en una entrevista.

 

Después de la muerte de Curtis en la víspera de la gira norteamericana del grupo, el bajista Hook y los otros miembros de la banda Bernard Sumner y Stephen Morris regresaron como New Order y consiguieron un éxito comercial considerable.

 

Pero Hook aseguró que la realización del documental impulsó a los integrantes del grupo a hablar sobre Joy Division y la muerte de Curtis a los 23 años.

 

“Nunca hablamos sobre ello. En realidad lo dejamos e ignoramos durante años y años y años”, declaró Hook.

 

Uno de los momentos emotivos de la película es una entrevista con Annik Honore, la novia belga de Curtis. El productor Tom Atencio pasó meses tratando de persuadirla para que hiciera la mayor cantidad de declaraciones públicas hasta la fecha.

 

Deborah Curtis, la viuda de Curtis, no sale ante la cámara, pero su presencia se siente con varios extractos de su autobiografía “Touching From a Distance” publicada en 1995. El director declaró que cambió de opinión después de verse muy implicada con “Control”.

 

“Control” es una película biográfica en blanco y negro y el debut como director del fotógrafo holandés Anton Corbijn.

 

El desconocido actor Sam Riley interpreta al complejo Curtis mientras lucha por combinar la vida familiar con las demandas de estar en una banda, la epilepsia y el enamorarse de otra mujer.

 

Joy Division es citada a menudo como inspiración para otras bandas y músicos, y más de 20 artistas han adaptado su canción más conocida “Love Will Tear Us Apart.”

 

Las dos películas sobre el grupo están entre varios filmes que se centran en la música en el festival de Toronto.

 

Entre ellas están “Across the Universe”, basada en las canciones de los Beatles y “I’m Not There,” donde Cate Blanchett, Richard Gere y otros cuatro actores interprentan al legendario cantante Bob Dylan.

Sonic Youth – Padres del Exprecionismo Sónico

En Sonic Youth se resume de una y muchas maneras la verdadera identidad de lo que podríamos llamar el rock alternativo. No usaré el absurdo nombre de indie que hoy ostentan tantas banditas comerciales, porque a fuerza de emplearse en exceso el terminajo acabó por perder cualquier significado congruente y sobre todo creíble. Lo mismo puede decirse de tantos grupos que presumen ser alternativos, sin que justifiquen el mote. No obstante, en el caso del cuarteto ( y en ocasiones quinteto) encabezado por Thorston Moore, Kim Gordon y Lee Ranaldo, su historia  es la mejor aliada de su autenticidad y aun cuando graban para una disquera transnacional, su propuesta sonora jamás ha sido traicionada y se mantiene incólune luego de casi veinticinco años de carrera y veinte discos grabados. Con una música que no da concesiones, con el feedback como elemento central del noise convertido en un de las bellas artes, con un extraño sentido melódico que algo tiene de naive, con letras inteligentes y con una actitud intransigente hacia las modalidades del mercado discográfico, Sonic Youth lleva un cuarto de siglo de ser congruente y su consistencia, desde su álbum homónimo de 1982 hasta el Rather Ripped de 2006, es sin duda alguna su mayor capital.

The Who – Los Hechizeros del Pinball

¿Alguna vez han dejado de existir los Who? Se supone que la leyende de este grupo nacido en 1964 terminó en 1982, cuatro años después de la muerte de su hiperactivo y delirante baterista Keith Moon. Fue en ese año que Pete Townshend, Roger Daltrey y John Entwistle anunciaron el din del cuarteto. Sin embargo, volverían a reunirse más de una vez, incluso despues de que el propio Entwistle falleciera en un hotel de Las Vegas, cuando estaban a punto de iniciar su gira norteamericana de 2002. Hoy sólo queda la mitad de la legendaria agrupación. Se fue la parte rítmica -y a la vez la más bizarra- de la banda, pero quedaron el cerebro y el corazón, Townshend y Daltrey.

¿Que significan los Who para el rock? ¿Cuál es su verdadera importancia? Aparte de ser los precursores de movimientos como el rock sinfonico, el punk y el rock ochentero, aparte de ser integrante de la influyente ola inglesa de los sesenta, aparte de su actitud salvajemente nihilista (fueron los primeros en destrozar sus instrumentos en escena algo que les copiarían desde Hendrix hasta Kurt Cobain), irónica (su sentido del humor sólo puede ser comparado con el de los Hermanos Marx) y políticamente incorectísima (recordemos a Townshed al propinar tremendo guitarrazo en la cabeza al lider hippie Abbie Hoffman en el festival de Woodstock o a Keith Moon al pasearse or las calles de Londres disfraado de oficial nazi), aparte de grabar algunos de los álbumes imprescindibles de la historia del rock (sobre todo el Who’s Next),apart de todo eso, The Who representa el lado más lúdico, inteligente, provocador y al mismo tiempo dulce y conmovedor del género que revolucionó a la cultura de la segunda mitad del siglo XX. Cuatro locos que se juntaron por algún extraño y afortunado capricho del destino, para dar luz a una de las más altas manifestaciones del arte musical de la centuria pasada. Una explosión incontrolable; un sonido inaprensible; un brazo que giraba con la fuerza de un aspa de molino; un micrófono que daba vueltas vertiginosas sobre nuestras cabezas; guitarras, amplificadores, tambores y platillos hechos pedazos; una voz que imploraba con desgarrada angustia: “See me, feel me, heal me”. Los hechizeros del pinball.

The Cure de Vuelta en Mexico

The Cure se presentará en vivo el la próxima emisión de los Premios MTV Latinoamérica, que se realizarán el 18 de octubre en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México.

La legendaria banda británica liderada por Robert Smith formará de esta manera de la lista de bandas en vivo que se presenten en la entrega de los MTV.

Los organizadores de los premios dicen estar muy entusiasmados con la posibilidad de que una banda con tanto renombre histórico se haga presente en el espectáculo.

La banda inglesa fundada a finales de los años 70 es considerada un icono para los seguidores del rock gótico, punk (solo por una cuestión cronologica) y dark. A través del tiempo sus integrantes fueron variando pero siempre de la mano de Robert Smith The Cure estuvo presente con éxitos en los 80, 90 y en estos inicios del siglo XXI.

Vigentes y reconocidos, no solo por sus fans sino también por muchos músicos que tuvieron en The Cure su banda de cabecera en la adolescencia, el grupo es hoy por hoy un verdadero mito viviente que se mantiene en total actualidad sin recurrir a la nostalgia de una gloria pasada y a la vez con todo el peso de la historia.

Unknown Pleasures – el Sgt. Pepper’s de Joy Division

 

Producido por Martin Hannett, Unknown Pleasures es un disco muy velvetiano, con su seca exuberancia y su glamourosa durez. Las diez canciones que lo conforman no tienen desperdicio, todas son magníficas. Por su puesto, lo más notable es la voz de la leyenda humana en que se convirtió Ian Curtis, pero igualmente destacan los singularísimos bajeos de Peter Hook – una verdadera marca de fábrica de Joy Division-, la afilada guitarra de Bernard Sumner y la precisa batería de Stephen Morris.  El álbum abre con la sólo en apariencia protopopera – aunque provocadora y desesperada- “Disorder”, la cual da paso a la pausada intensidad de la extraordinaria “Day of the Lords”, muy cercana a la música dark. El  tercer corte es la escalofriante “Candidate”, con una guitarra como serrucho y Curtis con la voz voluntariamente fuera de tono al decir cosas como “I don’t know what made me/ what gave the right/ To mess with your values/ And Change wrong to right”. En cambio, “Insight” aparenta al menos un poco de serenidad en medio del más helado infierno, con su frase a manera de mantra: “I’m not afraid anymore”.

“New Dance Fades” es otra joya, con el bajo y la guitarra que crean una atmósfera enfermiza y a la vez luminosa; armonías descendentes que sirven como contrastante marco a la voz que va subiendo cada vez más en su exasperación. La controversial “She’s Lost Control” es como una danza macabra con un arreglo uy peculiar en la sección rítmica y un Ian Curtis que vocaliza como una especie de Jim Morrison en heroína. “Shadowplay” es posiblemente la mejor pieza de Unknown Pleasures, una coposicion asombrosa, contundente, con una letra terrible y tremenda (“I did everything, everything I wanted to/ I let them use you for their own  ends/ To the center of the city in the night, waiting for you”). Impresionante. La intensidad se mantiene en la parte final del plato con las espléndidad “Wilderness”, “Interzone” (muy cercana al punk y con un sonido rocanrolero contagiante y poderoso) y “I Remember Nothing” (densa, desiluminada, inquietante, hipnótica, envolvente, viciosa…. pero fascinante). 

Alguien dijo por ahí que Unknown Pleasures es la depresión compactada en un disco… y tiene toda la razón.

The Smiths – Una Historia Caprichosa

¿El grupo más representativo del rock de los ochenta? Posiblemente si, sobre todo si tomamos en cuenta que esa  tal vez la década más mediocre desde un punto de vista musical. Hay quienes aseuran que los Smiths fueron los Beatles de su epoca y que las canciones de Morrisey  de Marr son comparables a las de Lennon y McCartney. Me Rehuso a aeptar la comparación. Sencillamente no encuentro siquiera una semejanza entre ambas agrupaciones, entre ambos duetos de compositores. Pero no se trata aquí de equiparar sino de buscar la justa dimensión de la obra smithsoniana. Cierto es que el cuarteto de Manchester logró algo muy dificil en toda disciplina artística: crear un nuevo estilo y en el caso de la música, un sonido caracteristico y propio. Para ello resultaron básicos dos elementos: la forma de tocar la guitarra de Johnny Marr, sus inventivas figuras y caracteristicos arpegios, y, muy destacadamente, la voz de Morrisey y su manera irregular y manierista de cantar. Todo ello se conjuntó, por su puesto, con su modo de escribir canciones, vistas éstas como un todo que conjunta la música con la letra. Música fina, letras llenas de poesía y crítico sarcasmo hicieron de las composiciones de los Smiths un algo muy diferente a lo que se había escuchado hasta entonces y resultaron una contribución muy importante para el rock en lo particular y para la música pop en lo general. Es una lástima que la banda haya durado tan poco tiempo. Cuatro álbumes en cuatro años parecen pocos, aunque cualitativamente sea mucho, sobre todo por obras como Meat is Murder y The Queen is Dead, grandes clásicos de la historia del género. Valorar a The Smiths en su justa dimensión es muy necesario, pero más lo es disfrutar de su música sin prejuicios y con los oídos y la mente muy abiertos.

Fantasia Pop- Nuevo Cd de Belanova

Este 11 de septiembre saldra a la venta el nuevo Cd de Belanova, con el titulo de Fantasia Pop, esta es su cuarta produccion discografica y tendra como primer sencillo la canción “Baila mi Corazón”.

 Contara con con 11 canciones y a diferencia de los albums anteriores que eran más dance y electronico, este mayor presencia de guitarra.

Grabado la produccion de Cachorro Lopez quien ha trabajado en los discos más recientes de Julieta Venegas y Andrés Calamaro. Fue grabado en su estudio, Mondo Mix, en Buenos Aires, Argentina. Contiene once tracks llenos de los ritmos que nos tienen acostumbrados, pero en esta ocasión refleja la madurez musical que han alcanzado a lo largo de las giras que los han llevado a recorrer casi todo el continente. El disco tendra una colabroacion con Fito Paez en la cancion “Toma mi mano”.

Actualmente ya se encuentra en rotación el primer sencillo promocional, se trata del track número uno del álbum, denominado “Baila Mi Corazón” el cual rápidamente se ha posicionado en los primeros lugares de los medios especializados.

Si quieres escuchar un adelanto pulsa aquí.

Aqui un poco del making off del video “Baila mi Corazón”

Jimi Hendrix – El Fausto Cósmico

 

¿Pertenecía Jimi Hendrix al planeta Tierra? Seguramente él mismo se sentia extraterrestre o cuando menos un ser dotado de poderes paranormales. Después de todo, era un fanático de la literatura de ficción científica (Borges dixit) y, por ende, podría haber creído firmemente en sus capacidades más allá de este mundo. Lo cierto es que como guitarrista en particular y como músico en general, Hendriz sí parecía un ente absolutamente por encima del promedio de los seres humanos. Su capacidad como autor, ejecutante y arreglista resultaba avanzadísima para su tiempo. Aun hoy en día, al escuchar sus discos, uno no puede más que concluir que el tipo no sólo estaba varios pasos por delante de la música de su época (basicamente la segunda mitad de los sesenta), sino que lo sigue estando con respecto a la que se hace en la actualidad. A casi treinta y siete años de su muerte, Jimi Hendrix continúa siendo un vanguardista. nos encontramos frente a un creador musical en la misma línea revolucionaria de un Robert Johnson en el blues o un Miles Davids en el jazz. Su enorme aportación – desde que creó “Purple Haze” en 1966 (tema en el cual se resume gran parte de lo que sería el rock y varios de sus géneros a partir de entonces), hasta que grabó “Belly button Window” en 1970 (durante su última incursión en su estudio) – cambió de manera radical las formas y los fondos del arte músical del sigo XX e influyó no sólo en el rock sino también en el jazz, el soul, el rhythm n’ blues, la electrónica y hasta la música culta. Es dificil saber qué tan consciente era Hendrix de su propia trascendencia. Me inclino a pensar que al menos no lo tenía tan claro como lo vemos hoy, con la perspectiva que nos da el tiempo transcurrido. Quizás haya sido lo mejor, porque de esa forma no perdió el piso – en una década tan proclive a los mesianimos – y pudo trabajar en lo suyo: la creación de nuevas coordenadas musicales y la experimentación con la guitarra eléctrica, a la cual llevó a dimensiones fantásticas con los escasos recursos tecnológicos con que contaba. Muchos se siguen haciendo la pregunta de hasta dónde habría llegado Hendrix si no hubiera fallecido tan prematuramente. Es una interrogante imposible de responder, debido a su genio imprevisible y desbordado. No queda entonces más que consolarse con la escucha de su vasta obra discográfica (la mayor parte aparecida después de su muerte), pero sobre todo con la de sus tres primeros álbums en estudio, discos que constituyen un lugar donde se encuentran concentrados todos los poderes extraterrenos de este músico sin par.