The Clash – Rebeldes con Causa

Aunque se le ha querido etiquietar con el estricto (y estrecho) corsé deser un grupo punk, en realidad The Clash fue mucho más que eso. A diferencia de otras bandas contemporanéas suyas, como los Sex Pistols, The Buzzcocks o The Damned, el cuarteto encabezado por Joe Strummer y Mick Jones desarrolló un estilo musical más amplio, al enriquecerlo con la abierta influencia de otros géneros, como el reggae y el ska, primero, y el jazz, el blues, el swing, el rockabilly y otros, más tarde. Pero no sólo fue esa variedad de sonidos lo que caracterizó a esos nativos de Londres. Desde un principio, las letras de sus canciones y su actitud misma mostraron una declarada posición política cargada hacia la izquierda, en un momento histórico en el cual la Gran Bretaña padecía una de sus peores crisis económicas y sociales. En medio de una grave situación traducia en desempleo, miseria, inmigración inseguridad y violencia, el movimiento punk brotó de un modo casi natural y su expresión musical, el rock punk, logró de inmediato una gran aceptación entre cientos de miles de jóvenes britanicos. Fue en ese duro contexto que emergío The Clash, un cuarteto con ánimos de pelear y golpear por medio de lo único que sabían hacer: tocar múscia.

Con seis albums grabados entre 1977 y 1985, la agrupación se convirtió en todo un simbolo de los punks politizados, pero también de buena parte de la juventud, de todos aquellos que tenian ideas progresistas. Críticos feroces del sistema, los integrantes de The Clash no pudieron ser engullidos del todo por la industria discografíca y los medios de comunicacion y lograron mantener su discurso a lo largo de ocho intensos años. Por desgracia, una inevitable lucha de egos hizo que al final se diera la división y que la banda terminara por disolverse. A pesar de que hubo otros proyectos grupales, nunca fue lo mismo. La magia de The Clash había sido única e irrepetible.

El Signo de los 4 – ¿Cuál era el significado oculto de los símbolos utilizados por Led Zeppelin en su álbum sin nombre?

Jimmy Page: “Primero quise usar un sólo simboo en el disco, pero dado que era el cuarto álbum y que nosotros éramos cuatro, cada uno escogió el suyo propio. Yo diseñé el mío y los demás escojieron el suyo según sus propias razónes.

Robert Plant: “Mi elección incluye la pluma, un símbolo en el cual se han basado todas las filosofías. Por ejemplo, para muchas tribus pieles rojas represeta valentía y coraje. Me gusta la gente que afronta la verdad y no porquerías. A esos se refiere en específico la pluma en el círculo”.

John Paul Jones: “Jimmy Page nos mostró el Libro de los Signos de Rudolph Koch y nos dijo que debíamos elegir un símbolo cada quien. Así que Bonzo y yo hicimos esos, aunque luego descubrimos que Jimmy y Robert habían diseñado los suyos sin avisarnos, algo típico de ellos”. (El símbolo de Jones fue seleccionado de las runas del libro de Koch. Representa a una persona que es al mismo tiempo discreta y competente.

John Bonham: Fuera de toda pretensión mística, Bonham escogío tres círculos entrelazados que representan la trilogía hombre-mujer-niño. Aunque tambíen pudo tener algo que ver con el hecho de que era muy parecido al logode la cerveza Ballantine.

Los cuatro símbolos llegaron a convertise en sinónimos de la banda. Page y Plant los utilizaron tiempo después, como el logo de su gira 1995 – 1996, mientras que Jones incorporó el suyo al arte de su disco solista Zooma.

Nashville Skyline – Una gran obra de Bob Dylan

Cuando Nashville Skyline (1969), el último de los discos brillantes de Bob Dylan durante los años sesenta, los fans examinaron cada uno de sus 27 minutos por señales de revolución musical. Pero, sin tal expectativa, este álbum es un excelente trabajo de country folk. Es cálido, lleno de canciones de amor y muestra a Dylan usando un tono barítono en lugar de su habitual voz. Durante el disco, Dylan cambia su torrente usual de palabras por un sentido de relajación, y hace bien: incluso canciones como “Peggy Day” y Nashville Skyline Rag” suenan confiadas y encantadoras. “Lay Lady Lay”, fue la más exitosa y se convirtió en el último gran tema de Bob Dylan en llegar a los primeros díez luagares de las listas de popularidad.

Tambien se incluye “I Threw It All Away”,una de sus baladas más bellas. Es el sonido de un hombre que tiene océanos de dolor encima de él  te pide que pruebes unos granos de sal.

Damn The Torpedoes – El disco que le abrió las puertas a Tom Petty and the Heartbreakers

Cuando el punk llegó como una respuesta combativa a la fatiga del rock de los años setenta, algo extraño sucedió: las bandas que tan sólo estaban interesadas en evocar a Chuck Berry fueron incluidas en esta tendencia británica. Esto significó que grupos como Tom Petty and the Heartbreakers se convirtieran, sorpresivamente, en los embajadores de una nueva música que, con su sonido vintage, difícilmente parecía nueva. El tecer disco de tom Petty and the Heartbreakers, Damn the Torpedoes, fue el que les abrió la puerta. Mientras Bruce Springsteen hacía pequeñas películas en las canciones, Petty componía música que, en la superficie, parecía menos ambiciosa. No obstante, creaba, escenas modestas con las que los escuchas se podían identificar de manera muy profunda. Si conocías lo que se siente tener un amor correspondido, tenías una canción en “Here Comes My Girl”. Si te sentías fuera de todo, entonces era “Even Losers”. Aunque Petty aparece sólo en la portada, este disco es un proyecto de grupo en el sentido más real. El teclista Benmont Tench y el guitarrista Mike Campbell, el tipo de músicos que pueden transformar una buena canción en algo genial, emergen como verdaderos estilistas del rock & roll. Cambell, toca con una especie de pereza que funciona perfecto. Producido por Petty y Jimmy Lovine, el disco suena como una banda en vivo… todo un triunfo. desde entonces, el grupo ha continuado haciendo eso sin repetir el mismo disco dos veces. Además, Petty ha escapado del polvo que llenó a muchos de su generación: a lo mejor, fue un verdadero punketo.

(What’s the Story) Morning Glory? – El Disco que Catapulto a Oasis a la Fama

Lo que hizo a Oasis grande es que ellos se lo creian. Pensaban que tenían todo el derecho de tomar las mejores partes del rock, ya fueran tonadas de los años sesenta, drogas y groupies o el espectaculo de dos hermanos peleándose a golpes, una escena que no se veía desde los días gloriosos de The Kinks. Las canciones de la mente maestra del grupo, Noel Gallagher, eran reminiscencias de The Beatles. Algunas veces, para variar, hacía temas parecidos a Stevie Wonder o T.Rex.

El hermano menor de Noel, Liam Gallagher, es uno de los hombres más estupidos que se han parado con un micrófono, pero cantaba los temas de Noel con mucha energía, aún estrofras como: ”Caminando Lentamente en el pasillo/ Más rapido que una bala de cañón”.

Para cuando salió (What’s the Story) Morning Glory?, Noel escribía demasiadas canciones para que el grupo grabara. Mientras que su debut fue un rugido de tiempo veloz, éste demostró que eran igual de talentosos con las baladas rockeras: ya sea la tierna “Wonderwall”, la arrepentida “Don’t Look Back in Anger”, o la gloriosa “Champagne Supernova”. Muchas bandas han tratado de tomar prestado de The Beatles, pero pocos han logrado hacer temas que pasen la prueba, como lo hizo Oasis. Durante un momento glorioso, los Gallagher eran dueños de todos sus sueños rockeros.

Para mi el mejor disco de la banda, aunque no sean los mejores que ha habido pero creo que han creado canciones bastante buenas, este disco es un most en cualquier coleccion de cd’s que se considere respetable, si lo tienen entonces saben de lo que estoy hablando, y si no tomaria un poco de mi tiempo para apreciar lo que estos dos hermanos hacen de música.

Desde el Infierno – Jack el Destripador y aquel “Otoño del Terror”

En el otoño de 1888 se sembró el terror en las calles del East End de Londres. Durante 10 semanas este barrio fue el escenario de una serie de crímenes, lo que años más tarde fue nombrado el “Otoño del Terror”, nombre con el que bautizó un autor de la época a estos días sangrientos, que conmovieron hasta a la reina Victoria,  quien encomendó al Ministro del Interior, que era prioridad apresar al asesino de prostitutas.

Es así como los crímenes perpetrados por el siniestro personaje Jack The Ripper (nombre con el cual firmó las cartas que enviaba a Scotland Yard) se pierden en las transitadas calles de una marginal zona de Londres y llenan de espanto y conmoción a una sociedad victoriana que nunca supo, en definitava, quien en realidad fue “El Destripador”.

En realidad, el asesino de Whitechapel construye de si mismo una historia prosaica, puesto que nunca habrá certezas sobre sus origenes, por qué empieza a matar y tal vez lo más interesante: por qué deja de hacerlo.

Jack el destripador es el paradigma del asesino serial, un fantasma que se pierde en la noche y en la bruma londinense, un hombre que nunca fue fisto, que no pudo ser detenido y que si repentina desaparición no implica en absoluto que haya muerto.

Por este motivo este caso en particular en los anales de la historia de Scotland Yard es un enigma, un misterio que terminó por convertise en una leyenda.

De las seis víctimas que se consideran de su autoria, existen dudas acerc de la primera, una prostituta de 35 años, Martha Turner, que apareció con la garganta cortada el 6 de agosto de 1888.

Esta mujer, que fue ferozmente atacada, no mostraba las mutilaciones características de los asesinatos siguientes. Las deafortunadas que se clasifican como víctimas de Jack el Destripador fueron: Mary Ann Nicholls, Annie Chapman, Elizabeth Stride, Catherine Eddowes y finalmente Mary Kelly.

El asesinato final de la lista fue el más terrorifico. En dicha ocasión, “el Destripador” estuvo solo con su victima en un cuarto. Del informe ofrecido por la policía se desprende que la prostituta fue mutilada en forma aberrante:

La garganta había sido cortada de tajo con un cuchillo, casi separando la cabeza del cuerpo. El abdomen fue parcialmente rasgado y ambos pechos separados a cuchillazos del cuerpo; el brazo derecho como la cabeza, colgaba del cuerpo solo por la piel.

La nariz habia sido desprendida, la frente despellejada y los musclos descarnados hasta los pies. El abdomen había sido cortado de arriba hacia abajo.

El mes de septiembre de 1888 el asesino se da a conocer en una carta que envio a la Agencia Central de Noticias de Londreas, la cual llevaba la firma de Jack The Ripper.

La esquela decía:”Anduve oyendo que la policía ya sabe quién soy. Me he reído al verlos decir que están en la dirección correcta[...] Amo mi trabajo y ya quiero empezar de nuevo. Pronto volvera a escuchar de mis divertidos juegos [...]Suyo sinceramente, Jack, el destripador”.

Ese mismo mes, Charles Lusk, recive otra cara, esta decía: “Lusk puede buscar en todo el infierno pero no me encontrará aunque estoy frente a su noriz todo el tiempo. Su viejo amigo Jacky.”

Eso no fue todo: también le envió un paquete y una nota: “Desde el infierno. Mister Lusk, le envió la mitad de un riñón que tomé de una mujer. La otra la freí y la comí. Estaba muy bien. Agaárreme si puede”.

Finalmente, Jack salió de escena tan anónimamente como había entrado. Sobre la verdadera identidad e este homicida se bajaron infinitas hipótesis.

Llegaron a incriminar desde doctores hasta a carniceros y tambien un matarife judío. Otras teorias culparon al príncipe Alberto Victor, un personaje de la realeza que llevaba una vida disipada. Algunos adjudicaron los hechos a una conspiración masónica.

Contemporaneamente, Patricia Cornwell aseguró que el hombre detrás de Jack el Destripador era el pintor Walter Richard Sickert.

Cornwell decició analizar una serie de cartas que habitualmente se atribuyen al propio Jack. De esta manera descubrió una carta nueva del asesino que presentaba una marca de agua característica de Perry & Sons, de quien también era cliente Sickert.

No cabe duda que quien haya sido Jack el destripador, sin duda fue una persona muy inteligente, no por esto estoy diciendo que estuvo bien lo que hizo ni nada por el estilo, pero fue tal la astucia de este desconocido que durante todo un año tuvo pensando a la que en ese entonces era la mejor policia del mundo, Scotland Yard. Y a pesar de que es un asesino en serie siempre sera recordado dentro de la historia, como el “Asesino de Whitechapel”, como “el destripador”, entre otros. Y como el lo hubiera dicho “One day men will look back and say that I gave birth to the twentieth century.” (Un dia los hombres miraran para atras y diran que yo dí inicio al siglo veinte).

The Rolling Stones – Un destino rocoso, rodar y rodar

 

Han sido llamados la mejor banda de rock and roll sobre la tierra. Durante más de cuarenta años su presencia ha estado ahí presente, a pesar  de que hace diez años que no graban un disco en estudio. Los Rolling Stones son parte inalienable de la música popular del siglo XX y su influencia sólo es superada por la de los Beatles, con quienes siempre se les comparó hasta el grado de considerárseles “rivales”. Herederos musicales de los grandes intérpretes de blues, rythm and blues, y soul de los Estados Unidos, estos londinenses no sólo ayudaron a reivindicar la música de gente como Willie Dixon, Howlin’ Wolf, Muddy Waters o Jimmy Reed, sino que la adaptaron a un estilo

 propio y lograron crear un sello característico. Los talentos unidos de Mick Jagger, Keith Richards, Brian Jones, Bill Wyman y Charlie Watts conformaron una sólida agrupación que durante la décadade los sesenta dio vida a canciones y álbumes que han trascendido hasta convertirse en iconos de la centuria pasada. Y lo mismo hicieron durante la primera mitad de los setenta, ya sin el malogrado Jones y con Mick Taylor en su lugar, y más tarde en los ochenta y los noventa (con Ron Wood como nuevo integrante), aunque en estis dos últimos decenios -hay que decirlo-con menor genio creativo.  Temas como “(I Can’t Get No) Satisfaction”, “The Last Time”, “Street Fighting Man”, “Ruby Tuesday”, “Sympathy for the Devil”, “Jumpin’ Jack Flash”, “She’s a Rainbow”, “Honky Tonk Women”, “Brown Sugar”, I Got the Blues” o “Angie” y discos como Out of Our Heads, Beggars Banquet, Let It Bleed, Sticky Finger y Exile on Main Street significan un legado perenne que ha marcado a varias generaciones. si en algún momento llegó la decadencia, si Jagger sucumbió ante los oropeles del jet set internacional o si Richards ha tenido serios problemas con su adicción a las drogas duras, son cuestiones anecdóticas que no cuentan a la hora de evaluar lo que al final siempre queda: la obra artísitca, en este caso la música de altísimo nivel y enorme autenticidad que los Rolling Stones regalaron al mundo, es decir, a nosotros. ¿Es sólo rock and roll? Pues sí. Pero cómo nos gusta.

One Hit Wonders – Videos para recordar los 80’s (5 reseñas de grupos que dejaron huella en la historia musical)

Este post fue solo por un gran deseo que tenia de recordar a estas bandas de los ochentas, que a pesar de que en esa época casí todo dentro del ambito musical fue decadente pues la mayoria de los artistas fueron plasticos o si no una simple farsa de lo que fuese la buena musica de otras décadas, pues también existian verdaderos musicos, y aunque la mayoria de ellos simplemente fueron “one hit wonders”  todos ellos dejaron una marca dentro de la historia de la mùsica y sobre todo infuenciaron a bandas contemporaneas.

Entre estas bandas decidí poner a The Romantics con su canciòn “Talking In Your Sleep”, que aunque no fue el mayor exito de la banda lidereada por Wally Palmar, ya que su mayor éxito fue “What I Like About You”, pero a mi parecer ”Talking In Your Sleep” supera por mucho a la canciòn que posiciono a esta banda en los primeros lugares de las listas.

El segundo video que decidi poner fue “Turning Japanese” de The Vapors, una banda de New Wave surgida en Inglaterra, lidereada por David Fenton.

A pesar de la corta vida de esta banda, dejaron marcada la época de los ochenta con su canciòn “Turning Japanese”. Un dato curioso sobre esta canciòn es que en Estados Unidos se creia que el tema de la canción era relativo a la masturbación, especificamente a ciertos gestos faciales que pueden recordar a los estereotipos de los japoneses. Dave Fenton alternadamente confirmaría y negaria esta sugestión en entrevistas, aunque el vio la canción como una canción de amor cuando la escrbió.

Por otro lado escojí a la banda de synthpop “A Flock of Seagulls”, formada por los hermanos Mike Score (Teclados y Vocalista) y Ali Score (bateria), junto a Frank Maudsley (bajo) y Paul Reynolds (Guitarra). Ellos se hicieron notablemente famosos en 1982 por su video “I Ran (So Far Away)” el cual llego a ser el número nueve en la lista de hits en los Estados Unidos. Las letras de esta canción trataban la ansiedad asociada a familiarizarse con una persona por la cual uno siente atracción.

Otra banda que elegí fue a “The Outfield” una banda de rock/pop britanico. Esta banda empezó a grabar a mediados de los ochentas, para 1985 ya habian sacado su primer disco, Play Deep, que en américa se conviritio en un triple platíno, es de este disco de donde sale el video “Your Love”, que alcanzó el top ten en norte américa.

Por último tenemos a Alphaville con su canciòn de “Big In Japan”. Tal vez de esta es la menos conocida de todas las bandas que liste anteriormente. Esta banda de synthpop surgiò en Alemanìa y fudada por Marian Gold. Lazaròn su unico exito en las listas de hits en 1984, y fue la canciòn “Big In Japan”. Sus siguentes dos sencillos nunca alcanzaron el exito que obtuvo “Big In Japan” pues ni siquiera llegaron al continente americano, aunque en Europa estuvieron dentro del Top 10 de sucesos en europa.

Tal vez ninguna de estas bandas es recordada en la actualidad pues los 80’s no fueron una decada de inovaciòn, ni de talento musical, pero creo que es bueno recordar a algunos de los dejaron una huella en la historia de la mùsica y tal vez para algunos estos musicos nos sirvan de influencia como para otros les sirva para recordar que siempre hay que apoyar a lo que es la buena musica y no las cosas plasticas que tenemos en esta epoca (Jessica Simpsons o Britney Spears, o en nuestro caso RBD y Belinda, por mencionar algunos), pues otra cosa importante de estas bandas es que todas estuvieron dentro del underground y nunca buscaron el exito, tanto es asi que muchos de ellos siguen tocando sin esperar el exito que tuvieron con su “One hit Wonder”

How soon is now? – La Verdadera historia detras de esta canción de The Smiths

A pesar de lo que muchos creen, esta canción no original del grupo Love Spit Love, ni mucho menos es la canción que que hicieron para Charmed,  la verdad es que esta canción pertenece a Steven Patrick Morrissey y a Johnny Marr,ambos músicos integrantes de la legendaria banda “The Smiths”.

Esta canción fue escrita en 1984 y fue lanzada en el primer disco del grupo, el homónimo ”The Smiths”. Seymour Stein, gerente de la disquera Sire, la llamó  la “Stairway to Heaven” de los ochentas. Pero a pesar de prominente lugar en el repertorio de The Smiths, no esta considerada dentro del estilo de la banda.

La canción contiene solo un verso que se repite dos veces apart de un coro y un bridge. Esta canción trata sobre un individuo que no puede encontrar la manera escapar de su timidez. Dos partes de la canción son muy bien conocidas dentro de la cultura pop, el verso introductorio: I am the son, and the heir, of a shyness that is criminally vulgar / I am the son and heir, of nothing in particular” (Yo soy el hijo, y el heredero, de una timidez que es criminalmente vulgar / Yo soy el hijo y el heredero, de nada en particular), y el coro: “I am human and I need to be loved / Just like everybody else does” (Soy humano y necesito ser amado/ Como todo los de más lo son).

Sin nada más que decir, este es el video de esta gran canción que marco la musica del rock/pop en los ochentas.

Dave Navarro – Elegancia Chicana

Nacido el 7 de junio de 1967 en Santa Mónica, California, hijo de un inmigrante mexicano y de la modelo estadounidense Constance Colleen (asesinada por su novio en 1983), David Michael Navarro formó parte de los Red Hot Chili Peppers en el no tan breve periodo que va de 1993 a 1997. Como sustituto del guitarrista John Frusciante, sólo participó en el álbum One Hot Minute y fue despedido del cuarteto debido -vaya paradoja- a sus problemas con las drogas. Poco antes había revelado que se consideraba bisexual. Antes (y después) de su estancia con los Red Hot Chili Peppers fue miembro fundamental de Jane’s Addiction, la banda encabezada por Perry Farrell.

Navarro aprendió a tocar guitarra a los doce años, inspirado por Jimi Hendrix, y siendo muy joven integró su primer grupo, South Dakota Channel. Hoy suele tocar con su proyecto The Panic Channel y con la banda de covers Camp Freddy. En 1996 participó como invitado en el álbum Jagged Little Pill de Alanis Morrisette y en 1998 en el Mechanical Animals de Marilyn Manson.

Como solista, grabó el regular Trust No One en 2001.

Casado por tercera vez -hoy día su esposa es la actríz porno Carmen Electra-, ha actuado sin pena ni gloria en un par de películas (Floundering de 1994 y Uptown Girls del 2003) y en alguna época escrbió la columna cinematográfica “Movies & Crap” para la revista Bikini. Aparte ha colaborado en publicaciones como Details, Ray Gun y US Weekly. Esporadicamente actúa en series de televisión.